Nazareth

Hay grupos que han pasado a la historia sin haber hecho nada de particular para merecerlo; otros, por el contrario, a pesar de su efectiva bravura e inteligencia artística, han permanecido en segundo plano. Los escoceses Nazareth, por ejemplo, se incluyen en la segunda categoría. La banda nació en 1969, cuando Dan McCafferty, cantante, Pete Agnew, bajista, y el batería Darrell Sweet, tras haber tocado en The Shadettes, se unieron al guitarrista Manny Charlton. No pasó mucho tiempo antes de que los cuatro, junto a Roy Thomas Baker (futuro colaborador de Queen), produjeran su primer álbum homónimo. En el verano siguiente, al mismo tiempo que se publicaba su segundo álbum, 'Exercises,' un single extraído del primer disco, una versión de 'Morning dew', se convirtió en un éxito.

El éxito de 'Morning dew' empujó al grupo a continuar por el camino de las versiones, 'Razamanz', de 1973, producido por Roger Glover, de Deep Purple, contiene dos singles de éxito, pero sólo la versión de 'This flight toninght', de Joni Mitchell, tuvo éxito. El tema pertenece a 'Loud'n'proud', también producido por Glover, junto a otras dos versiones: 'Teenage nervous breakdown', de Lowell George, y 'The ballad of Hollis Brown', de Bob Dylan. En el siguiente, 'Hair of the dog', fue 'My white bicycle', de Tomorrow, la que convirtió el álbum en el disco de Nazareth de mayor éxito. Los esquemas musicales del grupo eran bastante repetitivos, pero la ruda simplicidad y su sonido los hizo entrar en el corazón de millones de apasionados del rock, hasta tal punto que a mitad de los
años setenta la banda escocesa era uno de los grupos en vivo más reclamados en Escandinavia, Alemania y Norteamérica.

La colaboración con Deep Purple continuó en 'Rampant', en el que aparece Jon Lord como invitado, pero aunque estaban a un paso de la consagración definitiva, no lograban adquirir el estatus de superestreIlas, deslizándose gradualmente hacia posiciones de segunda fila. Probablemente, como para decenas de otras excelentes bandas, también para ellos la llegada del punk resultó fatal. Esta situación explica los discretos resultados comerciales de 'Rampant', que obligaron a Nazareth a grabar un single aparte, 'Love hurts', viejo caballo de batalla de The Everly Brothers, para reanimar su suerte. En ese año, 1975, Dan McCafferty debutó con un álbum en solitario ('Dan McCafferty'), pero eso no significó la separación del grupo.

Nazareth se trasladaron a otra compañía y grabaron 'Close enough for rock'n'roll', álbum de gran éxito que incluye 'Telegram', tema centrado en la vida "en la carretera" de las bandas de rock. Tras otro álbum de buena factura que tampoco consiguió el éxito merecido, apareció 'Expect no mercy', último disco grabado con la formación de cuarteto. Con la intención de renovar su sonido, la banda decidió cambiar su estructura original. Zal Cleminson, excelente guitarrista que ya había estado en la Alex Harvey Band, fue llamado para colaborar en la grabación de 'No mean city', disco para el que también compuso algunos temas. Pero la unión duró poco; al día siguiente del término de las grabaciones de 'Malice in wonderland' (un disco muy alejado de los esquemas habituales del grupo) Cleminson se marchó, amigablemente, para formar un grupo propio, Tandoori Cassette.

La necesidad de ideas frescas seguía siendo patente; en 'The fool circle' se incorporó al grupo John Locke, que había formado parte de los californianos Spirit. A continuación, la formación se amplió a seis miembros, con Billy Rankin, joven solista de Glasgow; con esta formación, Nazareth emprendieron una gira, durante la cual se grabó el material que compondría el doble en directo 'Snaz'. Seducidos por los nuevos y velocísimos sonidos del naciente heavy británico, los rockeros europeos ignoraron un álbum de abrasador hard como 'The fool circle'. Desconcertados, los seis intentaron la jugada de buscar un sonido construido expresamente para el público americano más joven, para intentar triunfar en EE.UU.; '2XS' es una extraña mezcla de hard alternado con momentos más suaves, seleccionados a propósito para las emisoras americanas. El invento funcionó sólo en parte; Nazareth no se convirtieron en los nuevos Van Halen, pero son un grupo que llena los estadios en toda Norteamérica.

Daniel Craig

Su madre posee una licenciatura en la Universidad de Bellas Artes de Liverpool y su padrastro es el artista Max Blond. Desde niño, gracias a Max, Daniel fue introducido en el teatro en The Liverpool Everyman.

Luego de cursar sus estudios secundarios en la Hilbre High School, en West Kirby, y desempeñarse como jugador de rugby en Club de Rugby de Hoylake, pasó, aunque por un corto tiempo, por la Sixth Form de la Escuela de Gramática de Calday Grange. Abandonaría esos estudios cuando, con solo 16 años, se mudó a Londres (sitio donde vive desde entonces), para unirse al Teatro Juvenil Nacional. Tiempo después se conseguiría un espacio para estudiar interpretación en la Escuela Guidlhall de Música y Drama.

Su debut en la cinematografía llegó en el año1992, con la película "Zorro: A Conspiracy of Blood", pasando por más de una producción interesante, como: "A Kid in King Arthur's Court" (1995), "Love and Rage" (1998) y "Elizabeth" (1998).

Pero su rostro no se esparció alrededor del mundo sino hasta principios del nuevo milenio, ya que en el año 2000, Craig se hace merecedor del Premio de Cine Independiente Británico al mejor actor gracias a su interpretación en el exitoso filme "Some Voices". Con anterioridad, había sido nominado en la misma categoría por su trabajo en "The Trench".

Además Daniel, ya había recibió un premio de gran importancia, por su papel en "El amor es el demonio", como mejor actor británico en el Festival de Cine de Edimburgo de 1998.

Gracias a "Road to Perdition", al lado del consagrado Tom Hanks, se ganó la aceptación de la crítica y cosechó un éxito impensado. La película contaba con el mando directivo de Sam

Mendes, y en ella, Daniel daba vida al hijo del gángster que encarna Paul Newman, llamado Connor Rooney.

En lo que parece ser el suceso más afortunado se su carrera profesional, en febrero de 2005, Craig fue posicionado por la prensa como un candidato para el lugar que dejaría vacante el actor Pierce Brosnan, de James Bond. Luego de un mes de haberse esparcido el rumor, en abril de ese año, sólo se hablaba del flamante contrato que Craig había firmado con EON, para filmar tres películas por un valor de 15 millones de libras. Aunque esta noticia se desmintió luego, por la BBC portadora del informe oficial de EON Producciones.

Luego de varios meses de tratativas, en octubre del 2005, EON nombra definitivamente a Daniel Craig el sucesor de Pierce, en el papel del agente 007, convirtiéndose en el sexto actor en encarnar al personaje. El contrato fue por tres películas, y la primera de ellas, fue "Casino Royale", que se estrenó a en simultaneo para todo el mundo, el 17 de noviembre del 2006.

Erich Mendelsohn

Nacido el 21 de marzo de 1887, en Allenstein, Alemania (ahora Olsztyn, Polonia), Erich Mendelsohn fue un arquitecto alemán conocido inicialmente por su Torre Einstein en Potsdam, un notable ejemplo del expresionismo alemán en arquitectura, y más tarde por el uso de materiales modernos y métodos de construcción para hacer lo que él consideró como edificios orgánicamente unificados.

Mientras estudiaba arquitectura en la Academia Técnica de Munich, se mantuvo vendiendo sus pinturas y diseñando decoraciones para escaparates y producciones teatrales. Durante ese período tuvo estrechos contactos con el grupo Blaue Reiter de artistas expresionistas alemanes en Munich.

Durante la Primera Guerra Mundial, mientras servía en el ejército alemán  realizó una serie de bocetos arquitectónicos muy imaginativos que atrajeron mucho la atención cuando se exhibieron en Berlín poco después de la guerra.

Los bocetos llevaron a la primera comisión de Mendelsohn después de la guerra, la Torre Einstein, Potsdam (1919–21). Esta estructura extraña y altamente esculpida causó sensación inmediatamente. Tenía la intención de que la estructura transmitiera las posibilidades del hormigón vertido, pero la escasez de este material requería su sustitución por ladrillo cubierto con cemento. La fábrica de sombreros de Steinberg, Hermann & Co. que Mendelsohn diseñó en Luckenwalde (1920–23) también tuvo una apariencia llamativa, y también era completamente funcional.

Durante la década de 1920, Mendelsohn diseñó una serie de estructuras que fueron particularmente notables por el uso prominente e imaginativo del vidrio en composiciones fuertemente horizontales; se destacaron las tiendas de Schocken en Stuttgart (1927) y Chemnitz (1928).

Mendelsohn se vio obligado a abandonar Alemania en 1933, cuando el Partido Nacional Socialista (Nazi) llegó al poder. Primero fue a Bruselas y luego a Londres. Su trabajo más importante en Inglaterra fue el Pabellón De La Warr, Bexhill (con Serge Chermayeff, 1933), que tenía una torre de escalera semicircular acristalada. Durante el mismo período, realizó importantes comisiones en Palestina, especialmente grandes hospitales en Haifa (1937) y Jerusalén (1938). 

En 1941 Mendelsohn fue a los Estados Unidos, y en 1945 se instaló en San Francisco, donde sus obras importantes incluyen el Hospital Maimonides (1946). También se le acreditan sinagogas y centros comunitarios en St. Louis, Missouri; Cleveland Ohio; Grand Rapids, Michigan; y St. Paul, Minnesota.

Saul Steinberg

Saul Steinberg nació en Râmnicu Sărat, Rumania el 15 de junio de 1914, de padres de ascendencia judía rusa. 

La familia se mudó a Bucarest en 1915, donde el padre de Steinberg, Moritz, abrió una tienda de impresión y encuadernación. Con la entrada de Rumania en la Primera Guerra Mundial en 1916, Moritz fue reclutado para el servicio militar, y el resto de la familia se mudó a Buzău para estar cerca de sus familiares. Regresaron a Bucarest en 1919, momento en el que Moritz entró en el negocio de fabricación de cajas, produciendo envases decorativos para dulces, cosméticos y otras mercancías. Fue en la fábrica de su padre que Steinberg se familiarizó con materiales como papeles de colores y en relieve, sellos de goma y tipos de madera móviles, todo lo cual incluiría más adelante en su arte.

Steinberg tuvo su primera prueba real de antisemitismo en la escuela primaria, a pesar de que la mitad de los estudiantes en la escuela eran judíos. Experimentó el mismo prejuicio durante sus años en la escuela secundaria, donde tomó una amplia gama de cursos en materias académicas e idiomas (francés, alemán, latín y griego). En la Universidad de Bucarest, donde se matriculó en 1932, el antisemitismo era aún más frecuente.

En 1933 Steinberg se mudó a Milán para estudiar arquitectura en el Regio Politecnico. Pronto se involucró profundamente en el dibujo, contribuyendo con dibujos animados a Bertoldo y Settebello, periódicos italianos especializados en humor y sátira. Sin embargo, las leyes raciales impuestas en 1938 por Benito Mussolini, que incluían la prohibición a los judíos de estudiar y ejercer profesiones calificadas, pusieron fin a eso. Steinberg permaneció en Milán el tiempo suficiente para obtener su título de arquitecto, pero todo el tiempo buscó refugio en otro país. Después de salir de Europa, pasó un año en la República Dominicana antes de obtener una visa estadounidense. Finalmente, en el verano de 1942, llegó a Manhattan, ya había publicado dibujos en el New Yorker, Mademoiselle, PM y otras publicaciones periódicas. El 19 de febrero de 1943, el mismo día en que Steinberg fue comisionado como alférez en la Reserva Naval de los Estados Unidos, se convirtió en ciudadano estadounidense.

Steinberg fue asignado a Inteligencia Naval y a la nueva Oficina de Servicios Estratégicos (OSS). En mayo de 1943 se embarcó a China, donde pasó los siguientes seis meses. Fue transferido primero al norte de África y luego a Italia. Trabajando para la división de Operaciones de Moral de la OSS, produjo imágenes de propaganda diseñadas para parecer que provenían de una resistencia alemana ficticia.

Al mismo tiempo, estaba enviando los paquetes de dibujos del New Yorker, en su mayoría de la vida militar fuera de servicio al extranjero, que se publicaron en 1944-1945. Al regresar a Estados Unidos en octubre de 1944, se casó con Hedda Sterne, también una artista emigrada de Rumania. (La pareja se separó en 1960 pero nunca se divorció, manteniendo estrechos vínculos hasta la muerte de Steinberg.) A través de Sterne, Steinberg conoció a otros artistas emigrados como André Breton, Marcel Duchamp y Piet Mondrian. Con el tiempo también formó amistades duraderas con Alexander Calder, Richard Lindner, Ad Reinhardt, Mark Rothko, el crítico de arte Harold Rosenberg, los escritores Saul Bellow y Vladimir Nabokov, y el arquitecto y diseñador Le Corbusier.

En 1945 All in Line, el primero de siete libros de dibujos que Steinberg produjo durante su carrera, fue nombrado Club del Libro del Mes, vendiendo más de 20.000 copias. Su obra se exhibió en 1946 junto con la de Arshile Gorky, Robert Motherwell, Isamu Noguchi, Theodore Roszak y Mark Tobey en la exposición del Museo de Arte Moderno Fourteen Americans. En 1952, las galerías Betty Parsons y Sidney Janis montaron su primera exposición conjunta de su obra, que dio lugar a una serie de exposiciones en los Estados Unidos, América del Sur y Europa; continuarían presentando conjuntamente exposiciones de Steinberg durante los siguientes 25 años.

La portada neoyorquina más famosa de Steinberg, View of the World from 9th Avenue, satirizando una visión miope del mundo de Nueva York, se publicó el 29 de marzo de 1976. Más de 25.000 reproducciones de carteles de la portada se imprimieron en los siguientes dos años, causando a menudo que se hiciera referencia a Steinberg, para su irritación, como "el hombre que hizo ese cartel". En 1978 tuvo una exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano, que luego viajó a Washington, Londres y Francia. En 1982 se unió a Pace Gallery.

A lo largo de seis décadas, Steinberg realizó más de 1.200 obras solo para el New Yorker, así como miles de dibujos y esculturas que se exhibieron en galerías y museos de todo el mundo. Otras obras incluyeron decorados, fotografías y murales. El más notable de estos últimos fue el mural de 240 pies The Americans, creado para el Pabellón de los Estados Unidos en la Feria Mundial de Bruselas de 1958. A medida que su renombre se extendió internacionalmente, el gobierno francés le otorgó la medalla del Caballero de la Orden de las Artes y las Letras y fue incluido en el Instituto Nacional de Artes y Letras, ambos a fines de la década de 1960. En 1967 se convirtió en el primer artista en residencia de la Institución Smithsonian.

Las líneas de Steinberg podrían fluir con elegancia, o podría tartamudear o temblar, romperse en puntos y movimientos, serpentear o doblarse en una curva francesa. A menudo se compara con la de Paul Klee. Según Steinberg, Klee no fue una influencia importante, pero reconoció su amor compartido por la "grafología", como lo expresó, o el estudio de la escritura a mano. Entre los artistas que reconoció haberlo inspirado estaban Francisco Goya, Jean-François Millet, Vincent van Gogh y Piet Mondrian. Se inspiraba en una amplia variedad de fuentes, como la arquitectura, los mapas, el arte infantil, la caligrafía, las postales, los sellos de goma y cómics underground. Se veía a sí mismo como "comenzando desde abajo, con dibujos animados. Aprendió trabajando y logró ir más allá de "algunas de las vulgaridades del dibujo humorístico y las banalidades del arte comercial".

Peter Frampton

El cantante, compositor y guitarrista Peter Kenneth Frampton nació el 22 de abril de 1950 en Beckenham, Inglaterra. Criado en una convencional familia de clase media, Frampton fue un prodigio musical, aprendió por sí mismo a tocar la guitarra a los 7 años. En los siguientes años, dominó complejos riffs de jazz, blues y rock.

Pasó sus años de preadolescencia tocando con bandas como The Little Ravens, The Trubeats y George & The Dragons (un grupo que incluía a un prometedor David Bowie). Finalmente, Frampton llamó la atención del gerente de The Preachers, Bill Wyman (de The Rolling Stones), quien lo reclutó para unirse a The Preachers, una banda inglesa abiertamente comercial.

En 1967, bajo la tutela de Wyman, Frampton, de 16 años, se convirtió en el guitarrista y cantante principal del grupo The Herd, orientado al pop. En 1969, luego de lograr la adoración de legiones de adolescentes con singles de éxito como "From the Underworld" y "I Don't Want Our Loving to Die", optó por abandonar The Herd. Más tarde ese mismo año, él y Steve Marriott encabezaron la banda de rock con base de blues, Humble Pie. En 1971, a pesar de la respuesta positiva de los álbumes Town And Country (1969) y Rock On (1970), Frampton decidió emprender camino por su cuenta.

Frampton contribuyó con All Things Must Pass de George Harrison y Son of Schmilsson de Nilsson, antes de lanzar su carrera como solista con el álbum debut Wind Of Change (1972). Realizó numerosas giras durante los siguientes años, promocionando los álbumes Frampton's Camel (1973), Somethin's Happening (1974) y Frampton (1975).

La popularidad de estos álbumes, junto con sus cautivadoras actuaciones en vivo, culminaron en 1976 con la doble grabación en vivo de Frampton Comes Alive!, que vendió más de 10 millones de copias. El LP tuvo la notable distinción de ser el álbum de rock en vivo más vendido de la historia, mientras que los singles "Baby I Love Your Way", "Do You Feel Like I Do?" y "Show Me the Way" dominó las listas americanas. Considerado como el logro más importante de su carrera, el álbum influyó en las revistas Billboard y Rolling Stone para nombrarlo Artista del Año.

A finales de la década de 1970, el estatus de Frampton comenzó a decaer. Con talentos musicales como Bee Gees, Aerosmith and Earth, Wind & Fire, hizo su debut cinematográfico como Billy Shears en el desastroso musical de rock Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978). Después de un accidente automovilístico casi fatal, se vio obligado a dejar de lado temporalmente su carrera musical. Grabó esporádicamente a lo largo de la década de 1980, destacando especialmente Breaking All The Rules (1981), The Art of Control (1982) y Premonition (1986). Al año siguiente, volvió al ojo público y comenzó a hacer giras como guitarrista principal con su viejo amigo David Bowie.

Con el exitoso lanzamiento de su álbum homónimo de 1994, seguido de Frampton Comes Alive II (1995), volvió a abrazar a sus viejos fanáticos al tiempo que atraía a una nueva generación de entusiastas del rock. En 2001, el 25 aniversario de la grabación del legendario Frampton Comes Alive!, se celebraron los 16 millones de discos vendidos. Desde entonces ha lanzado una serie de álbumes, incluyendo Now (2003), Fingerprints (2006) y Thank You Mr. Churchill (2010).

Frampton ha estado casado un total de tres veces. Conoció a su primera esposa, la ex modelo Mary Lovett, en 1970. La pareja permaneció junta durante tres años y luego solicitó el divorcio en 1973. Se casó con Barbara Gold en 1983, y después de una década de matrimonio y dos hijos en común, también se divorciaron. Se casó una vez más en 1996 con Christina Elfers. Aunque la relación duró casi 15 años, Frampton solicitó el divorcio en 2011. En el momento de su divorcio, la pareja negoció la custodia de su hija de 15 años.

Leonard Cohen

Leonard Norman Cohen, nacido el 21 de septiembre de 1934 en Montreal, Quebec, fue un cantautor canadiense cuyas sobrias y existenciales canciones lo establecieron como una de las voces más distintivas de la música pop de los setenta.

Ya establecido como poeta y novelista (su primer libro de poemas, Let Us Compare Mythologies, fue publicado en 1956), Cohen se interesó en la escena popular de Greenwich Village mientras vivía en la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1960, y comenzó a ajustar sus poemas a la música. En 1967 Judy Collins grabó dos de sus canciones, "Suzanne" y "Dress Rehearsal Rag", y ese mismo año Cohen comenzó a actuar en público, incluida una aparición en el Festival Folclórico de Newport (Rhode Island). A finales de año, había grabado The Songs of Leonard Cohen, que incluía la melancolía "Hey, That’s No Way to Say Goodbye". Ese álbum fue seguido por Songs from a Room (1969), que incluía el tema a menudo interpretado, "Bird on a Wire" y Songs of Love and Hate (1971), que contiene "Famous Blue Raincoat", una balada en forma de carta envíada por un esposo traicionado al amante de su esposa.

Aunque a algunos no les importaba la voz de barítono de Cohen y sus inexpresivas interpretaciones, en su mayoría disfrutaba de éxito crítico y comercial. Leonard Cohen: Live Songs (1973) y New Skin for the Old Ceremony (1974), que incluyó "Chelsea Hotel No. 2", un recuerdo franco de un breve encuentro sexual con Janis Joplin profundizó aún más la posición de Cohen como compositor con un excepcional poder emocional. 

Su carrera luego dio un decidido giro a peor con los decepcionantes Death of a Ladies 'Man (1977), una colaboración con el legendario productor Phil Spector, cuyo estilo grandioso no era adecuado para las sobrias canciones de Cohen. Durante la mayor parte de la década de 1980, Cohen cayó en desgracia, pero su álbum de 1988, I'm Your Man, incluyó los éxitos "First We Take Manhattan" y "Everybody Knows" e introdujo su composición a una nueva generación. 

Además, Various Positions (1984) incluyó lo que se convirtió en su canción más conocida, "Hallelujah". Aunque inicialmente no recibió mucha atención, el single ganó gran popularidad cuando fue cubierto por Jeff Buckley en 1994. La balada fue interpretada o grabada posteriormente por cientos de artistas y apareció en bandas sonoras de programas de televisión y películas.

Después de lanzar The Future (1992), se retiró a un monasterio budista en las afueras de Los Ángeles. Resurgió en 1999 y regresó al estudio, produciendo Ten New Songs (2001) y Dear Heather (2004). El documental aclamado por la crítica, Leonard Cohen: I'm Your Man (2005) combinó entrevistas y material de archivo con interpretaciones de sus canciones por una distintos músicos.

En 2005, Cohen descubrió que su gerente de negocios había malversado unos $ 5 millones de sus ahorros, prácticamente eliminando su fondo de jubilación. Aunque ganó un juicio de $ 7.9 millones contra ella el año siguiente, no pudo recuperar el dinero y en 2008 se embarcó en una gira de conciertos, la primera en 15 años, para reconstruir sus finanzas. Una actuación de esa gira fue grabada para el álbum Live in London (2009), un conjunto de dos discos que demostró que, a la edad de 73 años, Cohen era tan vibrante y vital como siempre. El acertadamente titulado Old Ideas (2012) fue una exploración de sus temas familiares (espiritualidad, amor y pérdida) que evitó las melodías sintetizadas de gran parte de su material posterior a la década de 1980, en favor del popular sonido de su obra más antigua. 

Lanzado pocas semanas antes de su muerte, el álbum de estudio número 14 de Cohen, You Want It Darker (2016), fue recibido por los críticos como una obra maestra del período tardío. Por la pista del título, recibió póstumamente un premio Grammy a la mejor interpretación de rock. En 2008 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2010 fue galardonado con un Grammy por sus logros de toda la vida.

Miriam Makeba

La cantante sudafricana Zensi Miriam Makeba, nació el 4 de marzo de 1932 en Prospect Township, cerca de Johannesburgo. Conocida como Mama Afrika fue una de las artistas africanas negras más destacadas del mundo en el siglo XX.

Makeba, hija de una madre swazi y de un padre xhosa, creció en Sophiatown, un pueblo negro segregado en las afueras de Johannesburgo, y comenzó a cantar en un coro escolar a una edad temprana. Se convirtió en vocalista profesional en 1954, tocando principalmente en el sur de África. A fines de la década de 1950, su canto y grabación la habían hecho conocida en Sudáfrica, y su aparición en el documental Come Back, Africa (1959) atrajo el interés de Harry Belafonte y otros artistas estadounidenses. Con su ayuda, Makeba se estableció en 1959 en los Estados Unidos, donde se embarcó en una exitosa carrera como cantante y grabadora.

Cantó una variedad de canciones populares, pero sobresalió especialmente en las canciones Xhosa y Zulu, que presentó a las audiencias occidentales. También se hizo conocida por las canciones que criticaban el apartheid. En 1960 se le negó el reingreso a Sudáfrica y, posteriormente, vivió en el exilio durante tres décadas. En 1963 el gobierno sudafricano prohibió sus registros y revocó su pasaporte. En 1964 se casó con el trompetista y ex discípulo de Belafonte, Hugh Masekela. Aunque la pareja se divorció dos años después, mantuvieron una estrecha relación profesional. En 1965, ella y Belafonte ganaron un premio Grammy a la mejor grabación popular por su álbum An Evening with Belafonte / Makeba.

Makeba se casó luego con el activista negroa estadounidense Stokely Carmichael en 1968 (divorciada en 1979), una circunstancia que condujo al declive de su carrera en los Estados Unidos. Se mudó con Carmichael a África, se estableció en Guinea y luego se mudó a Bélgica, continuó grabando y recorriendo África y Europa. Su autobiografía, Makeba: My Story (coescrita con James Hall), apareció en 1988. En 1990, el activista negro sudafricano Nelson Mandela, quien acababa de ser liberado de su prolongado encarcelamiento, alentó a Makeba a regresar a Sudáfrica y actuó allí en 1991, por primera vez desde su exilio. Aunque estaba plagada de problemas de salud, continuó actuando en los años siguientes y murió de un ataque al corazón poco después de dar un concierto en Italia en 2008.

Entre las canciones por las que era conocida internacionalmente se encontraban "Pata Pata" y una. conocida como "Click Song" en inglés ("Qongqothwane" en Xhosa); ambas presentaban los sonidos distintivos de su idioma Xhosa nativo. Makeba hizo 30 álbumes originales, además de 19 álbumes de compilación y apariciones en grabaciones de otros músicos.