Allen Ginsberg

(Newark, Estados Unidos, 1926 - Nueva York, 1997) Poeta estadounidense. Era hijo de un profesor de inglés y de una maestra de escuela rusa, que permaneció internada durante años en un frenopático. Pasó por la Columbia University, de la que fue expulsado junto con otros compañeros como Jack Kerouac o William Burroughs. Los tres constituyeron el núcleo fundamental del llamado movimiento beat (beat generation), que rompió con la estética académica y llevó a cabo una auténtica revolución cultural claramente marcada por su denuncia del sistema de vida estadounidense.

Allen Ginsberg

La publicación del poema Aullido (Howl, 1956), de Ginsberg, fue el detonante que consolidó la poesía beat y le dio forma concreta, basada en un ritmo muy acentuado, con influencias del jazz, que, en una asimilación ya total de las técnicas vanguardistas y un retorno a cierta concepción romántica, refleja un universo personal hecho de imágenes que muchas veces convierten el poema en una especie de canto salmódico de gran fuerza expresiva. Verdadero alegato beat, Aullido es un canto a la locura y a su lucidez, y una protesta contra la sociedad mecanizada y materialista.

Otra gran creación de Ginsberg es el largo poema dedicado a su madre, Kaddish (1961), una confesión personal, casi catártica. Acompañando estos dos poemas, publicó algunas canciones de metro más corto y expresión más simple, con títulos tan populares como El peso del mundo es amor.

A partir de 1960, Allen Ginsberg abandonó Estados Unidos y se dedicó a viajar por todo el mundo para recitar sus poemas, como un auténtico aedo, con barba de profeta, y trabajando en lo que se terciara; su presencia estuvo a menudo ligada al escándalo (en 1966, por ejemplo, fue expulsado de Polonia al publicarse su diario secreto). En 1963 apareció su tercer libro de poemas, Sándwiches de realidad, al que siguieron nuevos títulos, como Planet news (1968) y La caída de América (1972); en 1984 se publicó el volumen Collected Poems, 1947-1980, recopilación de su obra.

Neil Young

(Toronto, 1945) Cantautor canadiense. Es una verdadera leyenda del Rock aún en plena vigencia, después de haber editado más de una veintena de álbumes en solitario.

Neil Young en una imagen de 1967

Comenzó formando parte de grupos como The Classics y The Squires en la ciudad de Winnipeg, para volver a Toronto en 1963, integrado en la creciente escena Folk. Pero empezó a ser conocido cuando se mudó a Los Ángeles para ser miembro de Buffalo Springfield desde 1966 hasta 1968, período que le llevó a adquirir una consolidada reputación como guitarrista y compositor, editando en Reprise -el sello discográfico creado por Frank Sinatra- su primer álbum en solitario en 1968, en el que Folk-Rock, Rock y Country se mezclan de la forma peculiar y característica del estilo de Neil Young.

Al año siguiente se hizo acompañar por Crazy Horse -en adelante la banda habitual en casi todos sus proyectos- para su segundo elepé, Everybody Knows This Is Nowhere, y se integró en Crosby, Stills, Nash & Young, en una primera unión que durará un par de años. Su siguiente álbum en solitario llevó el título de After The Gold Rush, de 1970, en el que se incluía el magnífico Only Love Can Break Your Heart y que contaba con la presencia del guitarrista Nils Lofgren (1953), que acompañaría a Young hasta 1982.

Neil Young en concierto

Harvest, de 1972, fue su mejor éxito comercial y, para muchos, su obra más completa. El tema Heart Of Gold llegó al número uno en las listas americanas. En 1975 edita Tonight's The Night, un elepé más denso, pesimista y poderoso que los anteriores -con claras referencias a la pérdida de la inocencia tras la ruptura del sueño hippy-.

Siguió editando en esta línea hasta Rust Never Sleep, trabajo en el que se deja ver que Neil Young no es en absoluto un viejo dinosaurio del Rock, adaptando esas frescas oleadas del revolucionario Punk que provenían del otro lado del Atlántico; Powderfinger, tema incluido en ese álbum, es buena prueba de ello. Una de las grandes virtudes de Neil Young ha sido siempre la de no quedarse estancado en un estilo o en una época, al contrario de lo ocurrido a la mayoría de sus compañeros de generación.

Ya entrados los ochenta, concretamente en 1983, edita Trans, registro realizado con amplia experimentación con vocoders y sintetizadores (aunque sin gran respuesta comercial), al que le siguió un álbum más clásico, Everybody's Rockin', con versiones de temas grabados por primera vez por Elvis, Buddy Holly o Johnny Cash, y para felicidad a su legión de fieles, Old Ways, de 1985, un glorioso regreso al Country de sus orígenes.

En 1987, vuelve a reunirse con Crazy Horse, para editar Life, y 1988 marca la salida de American Dream, el primer álbum de Crosby, Stills, Nash & Young desde 1971, para despedirse de la década con el excelente Freedom, con toda la contundencia del rocker más electrificado.

Neil Young, con toda su veteranía a sus espaldas, continuó plenamente activo en los noventa, alternando grabaciones de predominio de los sonidos Folk y acústicos (Harvest Moon, un vinilo que es casi la segunda parte del mítico Harvest de 1972, editado dos décadas después) con otras en las que su afilada guitarra se pone al servicio del Rock de los noventa, tal y como suena en sus actuaciones en directo (entrando, por ejemplo en una jam session en vivo con los Pearl Jam, material recogido en una edición discográfica conjunta).

Eric Clapton

(Ripley, Reino Unido, 1945) Guitarrista británico de blues. «Eric Clapton is God» (Eric Clapton es Dios), así reza un popular grafito aparecido en las calles de Londres a finales de los años sesenta que sirve de muestra indicativa de la popularidad y el entusiasmo que este extraordinario guitarrista despertó en la sociedad británica. Eric Clapton tocó en diversos grupos, como John Mayall & The Bluesbreakers, The Yardbyrds o Cream, hasta que, en 1972, tras un período de desintoxicación de su adicción a la heroína, inició definitivamente su carrera en solitario, y reapareció ante el público en 1974. A partir de ese momento Clapton fue editando diversos elepés, como Behind in the sun (1985), Journeyman (1989) o From the cradle (1994), en los cuales mantuvo siempre su estilo rhythm & blues. Ganador de varios premios Grammy, está considerado como uno de los más grandes guitarristas de blues. Cocaine, I can’t stand it, Layla o Let it grow son algunos de sus temas más destacados, así como Tears in heaven, un tema que el músico dedicó a su hijo Conor, muerto a los cuatro años a consecuencia de un trágico accidente.

Eric Clapton

Nacido pocos meses antes del fin de la Segunda Guerra mundial como resultado de una corta relación entre su madre y un soldado canadiense destinado en Inglaterra, Eric Clapton empezó a tocar el piano y después practicó por su cuenta con la guitarra que le había regalado su abuela. Más tarde, tras trabajar como cartero y albañil, se compró una guitarra Kay eléctrica y empezó a tocar en grupos de folk.

En 1961, con 16 años, empezó a estudiar diseño en vidrio de colores en el Kingston College of Art. En 1963 empezó a formar parte de bandas poco conocidas (The Roosters y Casey Jones and The Engineers), y sustituyó a Top Topham en el grupo The Yardbyrds. A continuación formó parte de la banda Bluesbreakers, de John Mayall. En 1966 logró su primer éxito comercial con el grupo de rock duro Cream, que formó con el batería Ginger Baker y el bajista Jack Bruce. En 1969 formó la banda Blind Faith, que no respondió a las expectativas y se disolvió al año siguiente. A continuación pasó a tocar con el grupo Derek and The Dominos.

En 1972 lanzó un sencillo denominado Layla, que compuso inspirado en Pattie Boyd, la mujer de George Harrison, ex guitarrista de The Beatles. Esta canción tuvo un enorme éxito y marcó el inicio de su carrera en solitario. Empezó a llamársele Mano lenta por las maravillas que hacía con las cuerdas de la guitarra. Sus problemas con las drogas y el alcohol hicieron que se retirara hasta 1974, cuando reapareció con el elepé 461 Ocean Boulevard, de un estilo más tranquilo.

En un concierto en Rotterdam (1978)

En los años siguientes hizo varias apariciones junto a los Rolling Stones, Tina Turner o Dire Straits. Realizó, asimismo, varias colaboraciones con Mark Knopfler y Phil Collins. En 1983 hizo una gira por España, llegando a congregar a diez mil personas en Barcelona. En 1989, tras realizar una gira por varios países africanos, llegó a Madrid para presentar su nuevo elepé, Journeyman.

La desgracia se cebó en él en 1991, cuando su hijo Conor, de cuatro años, murió al caer accidentalmente desde el piso cincuenta y tres de un apartamento en Manhattan, lo que le sumió en una profunda crisis emocional que le llevó a componer el tema Tears in heaven (Lágrimas en el cielo), dedicado a su hijo. En 1994 puso a la venta el álbum From the cradle, inspirado en los grandes maestros del blues y en el que hizo un repaso a dieciséis piezas históricas de esta música. Poco después inició, en el Forum de Montreal, una gira por todo el mundo y, ya en 1995, una gira europea con el título "Evening with the blues".

En 1997 participó en el festival de Jazz de Viena y en el Festival de Jazz de Vitoria, integrado dentro del grupo Legends, del que formaron parte también Marcus Miller, David Sanborn, Steve Gadd y Joe Sample. Editó una colección de sus mejores canciones en dos discos en 1999: Blues (1970-1980) y Clapton Chronicles: The best of Eric Clapton (1985-1999). Posteriormente publicó el álbum Me and Mr. Johnson (2004), en el que el guitarrista británico rindió homenaje a Robert Johnson, uno de los compositores de blues más importantes de la historia. En 2005 celebró su sesenta aniversario con cuatro conciertos en Londres que reunieron a los componentes del legendario grupo Cream, treinta y seis años después de su última actuación juntos. El mismo año salió a la venta el disco de estudio Back Home.

Muchas de las canciones de Eric Clapton se han incluido en las bandas sonoras de algunas películas, como Homeboy (1988), Rush (1991), Phenomenon (1997), La ciudad de los ángeles (1998) o The story of us (1999). También ha grabado duetos con otros artistas (cabe destacar su actuación junto al rey del blues, B.B. King) y muchos de sus temas han sido interpretados por otros cantantes. Ganador de numerosos premios Grammy, en 2000 entró en el salón de la fama del Rock and Roll, un reconocimiento a su carrera como solista durante tres décadas.

Eric Clapton contrajo matrimonio en 1979 con Pattie Boyd, de la que se divorció en 1986. Más tarde se unió a la estrella de la televisión italiana Lori del Santo, con quien tuvo a su hijo Conor. El 1 de enero de 2002 contrajo matrimonio con la diseñadora gráfica estadounidense Melia McEnery. Conocido por sus seguidores como Guitar Hero, está considerado una figura esencial del nacimiento del pop inglés en una de sus vertientes más definidas, el rhythm and blues.

Joan Baez

(Nueva York, 1941) Cantante folk estadounidense. Figura clave del movimiento de la canción protesta en Estados Unidos durante la década de 1960, sus inicios musicales se orientaban hacia el bel canto, a causa de su voz portentosa, aunque acabó abandonándolo para dedicarse a la música popular. Su fama estuvo muy vinculada a su activismo político, el cual le valió algunas estancias en la cárcel. Su oposición a la intervención estadounidense en Vietnam, su lucha contra la discriminación racial y sexual y el apoyo constante al tercer mundo tuvieron un claro reflejo en su música. Play Me Backwards es considerado por la crítica como el mejor disco de su carrera. Sus primeras canciones fueron temas compuestos por Bob Dylan, por quien la cantante sentía una gran admiración, aunque ya en la década de 1970 Baez se lanzó a componer temas como Diamonds and Rust.

Joan Baez

Hija de un médico mexicano y de una profesora de literatura, la juventud de Joan Baez transcurrió en los campus de diversas universidades. En Boston aprendería a tocar la guitarra, y cantó asiduamente en el Cabo 47 de Cambridge. Su extraordinaria voz, que acompañó con simples y eficaces acordes de guitarra, eran los rasgos distintivos de un estilo que se popularizó tras su actuación de 1959 en el Newport Folk Festival y la grabación de su primer disco, Joan Baez, en 1960.

Su tema We shall overcome, extraído de Joan Baez in Concert, su tercer álbum, se convirtió rápidamente en la canción protesta paradigmática de la época. Baez contribuyó decisivamente al despegue de Bob Dylan, versionando muchas de sus canciones y presentando al cantautor en sus recitales. Considerados las máximas figuras de la canción protesta, vivieron juntos durante dos años, entre 1963 y 1965. Dylan reflejó esta relación en el tema Visions of Johana; Joan Baez, diez años más tarde, haría lo mismo en su álbum Diamonds and Rust.

En 1976 grabó Gulf Winds, uno de sus mejores trabajos, compuesto en su integridad por temas propios. Baez desplegó una intensa actividad por los derechos civiles en el Movimiento Americano contra la guerra del Vietnam, no solamente mediante su música, sino también fundando entidades como Humanitas, una organización internacional pro derechos humanos, y el Instituto para el Estudio de la No-Violencia (1965).

Dejó testimonio de su lucha en dos autobiografías, Daybreak (1968) y And a Voice to Sing With (1987). Posteriormente su figura fue perdiendo actualidad, aunque ha sabido mantener su carácter y popularidad.

Dylan Thomas

(Swansea, Reino Unido, 1914 - Nueva York, 1953) Poeta galés en lengua inglesa, sin duda uno de los poetas británicos de la primera mitad del siglo XX con mayor renombre y resonancia internacional, gracias a la profunda originalidad de su poesía y al humor de sus cuentos y piezas teatrales. Durante un tiempo trabajó como periodista para el South Wales Evening Post y, durante la Segunda Guerra Mundial, como guionista para la BBC. Se dio a conocer como poeta con Dieciocho poemas (1934), al que siguieron los volúmenes Veinticinco poemas (1936) y Mapa de amor (1939), con los que se consolidó como máximo representante del movimiento poético Nuevo Apocalipsis, que practicaba un tipo de poesía de evocación, de tono metafísico y con cierto fondo romántico, en el que Thomas adoptaba el papel de poeta-profeta. Alcanzó su plenitud poética con el volumen Defunciones y nacimientos (1946). Autor de un volumen autobiográfico en el que defiende sus concepciones estéticas, Retrato del artista cachorro (1904), escribió además diversos guiones radiofónicos y cinematográficos.

Dylan Thomas

Dylan Thomas completó su educación básica en una Grammar School de su Gales natal, escuela donde su padre ejercía la docencia, y conoció ya durante su infancia la poderosa atracción de la poesía. Poeta eminentemente precoz, a los doce años asombraba a parientes y amigos con sus composiciones, de fuerte originalidad. Cuando acabó sus estudios de enseñanza media viajó a Londres, y un año más tarde aparecía su primer libro, Dieciocho poemas (1934), publicado después de ganar un premio organizado por la revista Sunday Referee. Tenía diecinueve años cuando se publicó, e incluía trece poemas escritos entre 1933 y 1934 y otros cinco compuestos de mayo a octubre de 1934. Se negó a realizar estudios universitarios y prefirió una formación autodidacta

Al este premiado y poco difundido libro le siguieron Veinticinco poemas (1936) y Mapa de amor (1939). En 1936 contrajo matrimonio con una humilde muchacha irlandesa, Caitlin Macnamara, con quien tendría dos hijos y una hija, y se estableció en Laugahrne, en una casa situada frente al mar. Su nombre apareció cada vez con mayor frecuencia en las antologías poéticas contemporáneas, y fue creciendo en la admiración de críticos y poetas. Sin embargo, como suele ocurrir (y algo también por el carácter tumultuoso del escritor, genuino e intolerable bohemio y bebedor empedernido), su situación económica resultó siempre difícil; así lo revelan las cartas de Thomas que conocemos, en las cuales aparecen continuamente ansiosas peticiones de préstamos y auxilios de todo género.

Por esa época escribió los textos lírico-narrativos del Retrato de un artista cachorro (1940), una colección de diez cuentos, en gran parte autobiográficos, que describen el mundo provinciano en que se desarrollan y rememoran en imágenes transparentes, aunque fragmentarias, las primeras experiencias infantiles del poeta, desde los días de los juegos y de la fabulosa despreocupación hasta el momento en que, todavía adolescente, entró como reportero en el periódico de la ciudad. También es de esos años su poemario más bello y conocido, Defunciones y nacimientos (1946), que incluye las composiciones más representativas de su madurez. Los temas dominantes de este volumen son la añoranza de la edad feliz, de los afectos sencillos y familiares, evocada con acentos elegíacos, y la conciencia dolorosa de los años de guerra.

Dylan Thomas y Caitlin Macnamara

Su personal voz y el poderoso arrastre de su sonoridad hicieron famosas sus lecturas públicas y sus grabaciones para la BBC, por lo que realizó cuatro giras por Estados Unidos para leer su poesía en colegios y universidades. Durante el cuarto de sus viajes, en 1953, sufrió un coma etílico después de una intensa y prolongada depresión y murió en un hospital de Nueva York a los 39 años. Aunque la turbulenta etapa final de su vida quizás haya contribuido a valorarlo de manera especial, no cabe duda sobre su importancia como poeta ni sobre sus elevadas dotes retóricas.

Sus Collected Poems (Poemas completos) vieron la luz en 1952 y comprenden toda su producción poética hasta dicho año, más siete poemas inéditos. Thomas escribió también el guión cinematográfico de The Doctor and the Devils (1953), la comedia radiofónica Under Milk Wood (Bajo el bosque lácteo, 1954, galardonada con el premio Italia este mismo año), la novela incompleta Adventures in the Skin-Trade (1955, póstuma), y dos volúmenes de ensayos, conversaciones radiofónicas y narraciones tituladas respectivamente Quite Early One Morning (1954) y A Prospect of the Sea (1955, póstumo).

Dylan Thomas pertenece a una generación de poetas que ya apuntaron sus inquietudes poco antes de la Segunda Guerra Mundial, pero que después de ella cobró madurez. Con Henry Treece, Anne Ridler, David Gascoyne y otros, Thomas participó (aunque con mucha independencia) en el movimiento poético llamado "Nuevo Apocalipsis", grupo que reaccionó contra la generación anterior, la que se hizo famosa alrededor de 1930 y que se conoce como la generación de Oxford: a ella pertenecieron W. H. Auden, Day-Lewis, MacNeice y Spender. Frente a esta generación, que prefería el realismo, el tema social y la sátira política, y que derivaba, aunque con reservas, de la actitud desolada y crítica de Tierra baldía de Eliot, la de Dylan Thomas revaloriza el poder creador de la imaginación y la gran función alumbradora que el mundo cotidiano y el mítico, entremezclados, tienen para la poesía.

Thomas depura su lírica de todo lo que, según su teoría poética, sea bastardo: prosaísmos, evocación no transfigurada de la realidad, lenguaje coloquial y todo lo que sea sórdido y desquiciado y no conserve un hálito elemental de lirismo puro, romantizante. Si a veces el desgarro y la vulgaridad del mundo moderno aparecen en sus versos es de una manera indirecta, simbólica, antieliotiana, como para justificar que no es un esteta y que vive los problemas de su tiempo. En la poesía de Dylan Thomas la fusión de su ardor vital y de su verbo creador y casi fabuloso levantan un mundo alucinante: es el camino iluminado de William Blake, Arthur Rimbaud y otros visionarios. La claridad meridiana, sin embargo, no es su norma; con razón se le ha calificado de oscuro y se le ha adscrito a la línea poética que va desde Vaughan a Hopkins y W. B. Yeats.

Como para muchos artistas, el surrealismo supuso para él una liberación sensorial y expresiva, si bien la tremenda fuerza imaginativa y el sentido de la musicalidad y el ritmo ya le eran propios. El mundo de Dylan Thomas está próximo a un cierto surrealismo, pero más apasionado y humano, menos onírico y sin la carga de elementos impuros que aporta el subconsciente. En su mundo la vida y la muerte son los extremos de un mismo arco, el contrapunto eficaz que mueve su energía creadora. Para el poeta la sola existencia es ya algo extraordinario, una sorpresa renovada cada minuto, y canta sus goces y sus pesares como algo inseparable, como un don glorioso que hay que agradecer al Creador que nos lo brinda. El misterio ontológico, la pasión por el hombre, los sueños prenatales, la niñez paradisíaca, son temas que Thomas evoca con magia de bardo. El sentido alusivo o críptico de algunas de sus metáforas, imágenes o estrofas lo emparenta con la Biblia y con Joyce.

Su verbo es tan prístino, tan virginal, que parece llegar directamente de las fuentes no enturbiadas del lenguaje. Cada verso es una aventura, la lógica poética permite que todo sea una continua sorpresa. El lector intuye que el poema se ha concebido sin un esquema previo; el impulso creador lo ha puesto en marcha como un fuego que avanza con todas sus alas. Por eso no hay en sus poemas zonas intermedias o grises, de descanso, o poco inspiradas. El meollo de su mundo son las imágenes que se suceden, se contradicen, se interfieren y se destruyen. Poeta de inspiración auténtica y creador de imágenes vigorosas y llenas de color, en su intento destinado a alcanzar, a través del caos, una expresión espontánea y total de los elementos humanos conscientes e inconscientes, supo trasladar sus principales obsesiones a sus versos y consiguió dotarlos de resonancias mágicas y de gran aliento.

Bob Dylan

(Robert Allen Zimmerman; Duluth, Estados Unidos, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock, una de las grandes figuras de la música contemporánea, cuya producción musical lo erigió en un referente entre los cantautores. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se hizo popular.

Bob Dylan

En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk.

Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged (1995). Algunos de sus álbumes más destacados son The freewheelin' Bob Dylan (1963), Blood on the tracks (1975) y Oh mercy (1989), mientras que Love and theft (2001) y Modern times (2006) figuran entre sus últimos discos. Nominado en varias ocasiones para el premio Nobel de Literatura, recibió el preciado galardón en 2016.

Biografía

Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) el 24 de mayo de 1941. Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción protesta. Frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando.

Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico, en homenaje al poeta americano Dylan Thomas. Bob Dylan abandonó definitivamente los estudios universitarios y, decidido a dedicarse por completo a la música, en 1961 se trasladó a Nueva York. Allí empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos.

Con sus guitarras, banjos, tambores y armónicas, los cantantes folk de los años sesenta iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el comercialismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.

Joan Baez y Bob Dylan (1963)

Una elogiosa crítica aparecida en The New York Times le abrió las puertas del mercado discográfico: la discográfica Columbia Records le ofreció grabar su primer disco, titulado Bob Dylan (1962). En este primer vinilo alternó canciones del repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios. Bob Dylan fue bien recibido por la crítica y el público y ya mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla de las distintas tradiciones musicales populares americanas (especialmente el folk de origen europeo y el blues afroamericano) y gran importancia de las letras de las canciones.

En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan, The Freewheelin’ Bob Dylan, que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca Blowin’ In The Wind, convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: The Times They Are A-Changin’; es decir, Los tiempos están cambiando.

La imagen de Dylan como cantautor comprometido y figura importante de la canción protesta cambió con su siguiente disco, aparecido en 1965 y titulado Highway 61 Revisited, que incluye el tema Like a Rolling Stone. Esta canción, un auténtico exponente de genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero, aunque no dejara de conceder gran importancia a las letras. En el Festival de Folk de Newport, ante la sorpresa y disgusto del público, actuó acompañado por una guitarra eléctrica y amplificadores: no volvería a ser invitado. Lo que estaba haciendo Dylan era revolucionar la idea de música folk, ampliando sus posibilidades. El 1 de junio de 1966 conquistó Europa desde el Olympia de París. El 29 de julio de este mismo año sufrió un accidente de moto, tras el cual desapareció de la vida pública durante dos años.

Bob Dylan en 1976

En 1970 se estrenó la película El precio del fracaso, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan, Pat Garret y Billy The Kid, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel. En 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado El último vals. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales. El concierto tuvo lugar el Día de Acción de Gracias en Winterland, San Francisco, y en él participaron, además de Dylan y The Band, músicos notables como Eric Clapton, Neil Young y el batería de The Beatles Ringo Starr, entre otros.

Las canciones de Dylan de la década de 1980 responden, en su mayoría, a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. No vivía entonces su momento de mayor popularidad, aunque los veinticinco años de carrera musical no pasaron por alto ni a su discográfica ni al público. Así, en 1985 apareció un quíntuple álbum antológico, Biograph, que contenía versiones inéditas de algunas de sus canciones.

Dylan fue durante años un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El gran poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio, y la primera vez lo hizo a instancias de Ginsberg, fallecido en 1997.

A lo largo de su carrera ha recibido premios como el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys, dirigida por Curtis Hanson. En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.

En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas, de Tery Gilliam (1998), y Anónimos, de Larry Charles (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Pero también su vida y su obra han interesado a directores de cine importantes, como Martin Scorsese, que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There, dirigido por Todd Haynes. El filme, que contaba con el beneplácito del artista, fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2007.

Si algo le faltaba a Bob Dylan para acabar de forjar su leyenda, era la publicación de su autobiografía. Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. Entre los candidatos figuraban el compositor Andrew Lloyd Weber, los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, así como la pianista Maria João Pires. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.

El cantautor fue uno de los grandes ausentes en la ceremonia de entrega de los premios, el 26 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo. Envió, sin embargo, un escueto mensaje en el que agradecía la concesión del galardón. Ese mismo mes se publicaba una retrospectiva de su obra en tres discos compactos que recogían más de cuarenta años dedicados a la música. Pocos días antes Dylan había asistido, en una sinagoga de Atlanta, a la celebración del Yom Kippur, el Día del Perdón. Allí rezó y mostró públicamente su retorno al judaísmo de sus orígenes familiares.