Daniel Swarovski

Daniel Swarovski nació el 24 de octubre de 1862 en un pequeño pueblo de Georgenthal, ubicado en Bohemia del Norte (anteriormente Imperio Austrohúngaro), una región famosa por sus maestros del cristal. 

La familia de Daniel se dedicaba al procesamiento de vidrio. Su padre era dueño de un pequeño taller. El negocio familiar de Swarovski les alcanzaba para ganarse la vida, aunque no los complacía con lujo. Daniel ayudaba a su padre a administrar el negocio, pero con ser músico. Quería convertirse en violinista.

Por desgracia, no pudo dominar el violín y fue a París para educarse. Hubo un evento importante que cambió la vida del futuro maestro del cristal. Swarovski llegó a la "Primera Exposición Eléctrica" ​​y allí descubrió muchas tecnologías y ciencias modernas. La mayor parte de su atención fue atraída por la posibilidad de usar la electricidad para moler vidrio.

En 1892, casi diez años después de la "Primera Exposición Eléctrica", Swarovski desarrolló la primera máquina rectificadora eléctrica para vidrio del mundo. El joven inventor la patentó de inmediato. Deseaba probarse en el campo del emprendimiento, sin embargo, no quería regresar a su pueblo natal. Quizás sentía que había demasiados artistas que podían competir con él. Sea como fuere, Daniel fue al pueblo de Wattens, ubicado cerca de Tirol (Austria). Fue allí donde fundó la primera fábrica.

En 1895, Daniel Swarovski, el financiero Armand Kosman y Franz Weis establecieron la compañía Swarovski, anteriormente conocida como A. Kosmann, D. Swarovski & Co. y abreviada a KS & Co.

En 1895, la compañía de Swarovski lanzó la producción de piedras de cristal que imitan la apariencia de piedras preciosas. Por supuesto, sus creacones tenían un precio mucho más democrático en comparación con los diamantes, ya que los cristales son asequibles para muchas personas. Poco después del lanzamiento, la demanda de cristales de Swarovski comenzó a aumentar bruscamente. Se habían convertido en accesorios de moda. A principios del siglo XX, la compañía se vio inundada de pedidos y pasó a llamarse "Swarovski". Lo que una vez fue falso y producido por Georges Frédéric Strass, en manos de Daniel Swarovski, se convirtió en la nueva tendencia de la moda. Desde el principio, Swarovski nunca ocultó que sus creaciones no eran diamantes.

La mayor demanda de los productos llevó a la compañía a la expansión. Swarovski contrató a 200 empleados adicionales. Los productos de la compañía tenían demanda en toda Europa. La élite de la sociedad de París y San Petersburgo se enamoró rápidamente de las joyas de cristal de Swarovski. Además, sus piedra eran muy asequibles para las personas de clase media, ya que el precio de las joyas de cristal no era tan alto como el de los diamantes reales.

En 1908, los tres hijos que Daniel tuvo con su esposa Marie Weis, Wilhelm, Friedrich y Alfred, se unieron a la compañía, convirtiéndola en una empresa verdaderamente familiar. Junto con sus hijos, Daniel pasaba mucho tiempo tratando de crear una técnica completamente nueva de fabricación de cristales, y finalmente, se logró el resultado deseado.

Entonces llegó la Primera Guerra Mundial. Los productos de joyería comenzaron a perder su demanda en toda Europa, y Swarovski todavía no había llegado al mercado estadounidense. Swarovski lanzó entonces una compañía subsidiaria, que existe hasta el día de hoy, llamada Tyrolit, para producir herramientas abrasivas y de corte.

A principios de los años 20, la situación económica se estabilizó y la empresa se dedicó a la producción de cristal utilizando nuevas tecnologías. Las creaciones de Swarovski eran diferentes de cualquier otra cosa disponible en el mundo. El mundo de la moda estaba particularmente interesado en sus cristales cuando la compañía fue notada por la famosa diseñadora Coco Chanel, que estaba usando cristales austriacos en sus creaciones de alta moda.

El trabajo de Swarovski superó a los competidores en gran medida debido a una serie de patentes y la fórmula secreta que no se ha resuelto hasta ahora y que es el factor clave para el éxito de los productos de la compañía. Los cristales de Swarovski son notablemente más brillantes y, en realidad, son difíciles de distinguir de los diamantes. Muchos creen que el "efecto brillante" se logra a través de la presencia de plomo en los cristales. Sin embargo, esta no es la única opción. Esta técnica única de corte del cristal, solo es conocida por Swarovski.

En 1929, Daniel fundó la división Swareflex. La unidad de división fue responsable de producir reflectores de vidrio especiales para automóviles. Luego llegó la Segunda Guerra Mundial.

En tiempos de la Segunda Guerra Mundial, Swarovski abrió un mercado completamente nuevo en los Estados Unidos. No está completamente claro cómo pudo establecer ventas en los Estados Unidos, ya que era una empresa austriaca, y Austria lideraba la guerra del lado de {@bio:Adolf Hitler}.

La guerra terminó y la vida se estabilizó gradualmente. La demanda de artículos de lujo comenzó a recuperarse. Para esa época, Swarovski también producía elementos de cristal verdaderamente individuales.

En 1949, Wilhelm fundó Swarovski Optik KG en Absam, Tirol. Wilhelm Swarovski, hijo del fundador original, tenía 47 años de edad. La pasión de Wilhelm era "estar más cerca de las estrellas", y le gustaba la astronomía, y despertó su ambición de construir su propio binocular mejorado.

El 23 de enero de 1956, Daniel Swarovski falleció. Tenía 93 años de edad. Sin embargo, el negocio familiar estaba tan bien que la pérdida de su líder no impidió un mayor desarrollo de la empresa.

Andrè Courrèges

El diseñador y empresario André Courréges nació en Pau, Francia, el 9 de marzo de 1923.

Inicialmente estudió Ingeniería y pestó servicio como piloto de la Fuerza Aérea en Aix-en-Provence en 1944. Dejó la Fuerza Aérea dos años más tarde y se matriculó en una escuela de formación decidido a estudiar moda y diseño textil.

Después de graduarse al año siguiente, fue contratado como diseñador en la casa de alta costura Jeanne Lafaurie, donde trabajó durante cuatro años. En 1951 se le ofreció un trabajo en Balenciaga. Permaneciendo allí durante diez años, Courrèges aprendió las exquisitas habilidades de corte de Balenciaga.

Mientras estaba en Balenciaga, Courrèges conoció a Coqueline Barriere. Después de abandonar la casa de modas, la pareja estableció su propia casa de alta costura en París en 1961 con el apoyo personal y la asistencia financiera de Cristóbal Balenciaga.

Al darse cuenta de que los roles de las mujeres estaban cambiando, Courrèges introdujo en 1963 los pantalones para cada ocasión. Visto como una idea radical, transmitió el mensaje de que los pantalones podrían ser adecuados tanto para eventos formales como casuales.

En 1965, la colección de enero de Courrèges causó sensación. Presentando la primer falda 'mini' vista en París, su colección debutó con prendas radicalmente diferentes. Minivestidos angulares y trajes de pantalón hechos de telas pesadas que se presentaron junto a pantalones recortados sin sujetadores. Fueron complementados con botas planas, gafas y cascos tomados del equipo de astronautas. Las formas inusuales con colores blanco y plateado fueron marcadas inmediatamente como Space Age creando el estilo icónico de Courrèges.

Su siguiente colección vio sus diseños ampliamente plagiados y, como resultado, Courrèges no realizó más shows de prensa y solo diseñó para sus clientes individuales. En 1967 regresó con el lanzamiento de su colección de alta costura "Couture Future". Con el objetivo de hacer ropa de alta costura más accesible, produjo quince diseños diferentes en cuatro o cinco tamaños y los hizo en serie. Esto les permitió venderlos al veinte por ciento del precio habitual.

En 1970 lanzó la colección "Hipérbole" para el mercado masivo. Ese mismo año lanzó su primer perfume, "Empreinte".

En 1972 diseñó los uniformes para los Juegos Olímpicos de Munich. Al año siguiente se lanzó la línea "Courrèges Homme" para hombres. Cuatro años más tarde lanzó su primera fragancia para hombres, "FH77".

En 1979-80, Courrèges lanzó un sistema de licencias para su empresa, lo que llevó a la empresa japonesa Itokin a adquirir una participación mayoritaria en la empresa. En 1986, después de no poder mostrar una colección el año anterior, Courrèges perdió la etiqueta de Alta Costura.

Courrèges recuperó el control de la empresa en 1993. El mismo año trajo a Jean-Charles de Castellbajac para diseñar colecciones para la etiqueta. Tres años después, Courrèges se retiró del negocio dejando a su esposa Coqueline para dirigir la empresa. En 2011, la pareja vendió la compañía a Frederic Torloting y Jacques Bungert.

Un visionario de su tiempo, Andrè Courrèges produjo ropa austera y futurista. Se vieron cortes de precisión en formas geométricas creando un estilo moderno que presentaba un aire juvenil. Abrazando las posibilidades del futuro, Courrèges fue un verdadero diseñador modernista.

Falleció el 7 de enero de 2016, en Neuilly-sur-Seine, Francia.

Alexander Calder

Nacido el 22 de julio de 1898 en Lawnton, Pensilvania, Alexander Calder fue un artista estadounidense mejor conocido por su innovación en el montaje de móviles de chapa y alambre suspendidos que se activan en el espacio por las corrientes de aire. Visualmente fascinantes y emocionalmente atractivas, esas esculturas -junto con sus monumentales "stábiles" al aire libre hechos de chapas de metal- hicieron de Calder uno de los artistas modernos más reconocibles y queridos. También hizo un número menor de esculturas en materiales más tradicionales como madera y bronce e hizo pinturas , principalmente en gouache , así como dibujos , incluidas ilustraciones para libros y grabados , y fue un ingenioso diseñador de joyas.

Calder era hijo y nieto de artistas: su madre era la pintora Nanette Calder, su padre el escultor Alexander Stirling Calder y su abuelo el escultor Alexander Milne Calder. Inicialmente, Calder se resistió a "entrar en el negocio familiar". Su extraordinaria destreza manual, evidenciada por sus trabajos infantiles con herramientas manuales en la creación de juguetes y otros objetos, lo recomendaban para una potencial carrera en ingeniería. 

Después de una infancia peripatética, trasladándose de Pensilvania a Arizona, California y Nueva York, según lo exigido por las comisiones y los puestos docentes de su padre, Calder, de 17 años, se inscribió en el Instituto de Tecnología Stevens en Hoboken, Nueva Jersey, y obtuvo un título en ingeniería mecánica en 1919. 

En 1922, mientras servía a bordo de un barco frente a América Central, tuvo la experiencia formativa de ver, en horizontes opuestos, tanto el sol naciente como la puesta de la luna, lo que lo abrió a ideas sobre el funcionamiento vasto pero preciso del universo, que más tarde fundamentó tanto su elección del tema y las decisiones formales como su enfoque en el equilibrio y el movimiento. Mientras se ocupaba en varios trabajos en su primer campo elegido, en 1923 Calder había decidido estudiar arte y se había matriculado en clases en la Art Students League en la ciudad de Nueva York.

Calder demostró ser un dibujante fluido, y en 1926 se publicó su primer libro, el manual de dibujo Animal Sketching; fue reeditado como parte de una serie de instrucción de arte en 1941, reimpreso en 1973 y todavía sigue imprimiéndose. En 1926 también navegó a Inglaterra, se dirigió a París y se instaló en un estudio a fines del verano. Permaneció ligado a Francia durante el resto su vida, y finalmente estableció un estudio en Saché (ahora el sitio de Atelier Calder, que alberga a jóvenes escultores en un programa de residencia).

Tranquilo y práctico, Calder fue uno de los pocos artistas visuales estadounidenses que se estableció en la década de 1920 en París, una era legendaria por su fermento estético que produjo artistas modernos como Pablo Picasso y Joan Miró. Calder también poseía un intelecto considerable y un sentido del humor juguetón junto con agudas habilidades visuales y escultóricas. Mientras residía en Francia entre 1926 y 1933, fue alabado como el "rey del alambre" por sus representaciones tridimensionales ingeniosamente construidas. Usando esa técnica, Calder produjo encantadoras representaciones de pájaros, vacas, elefantes, caballos y otros animales, incluidos los extraordinarios Romulus y Remus de 1928 que representan a los fundadores míticos de Roma siendo cuidados por una loba. Pero Calder se destacó especialmente por sus sensacionales retratos de cuerpo entero de la bailarina de la era del jazz Josephine Baker y retratos de muchos de su círculo artístico parisino, como Miró, el compositor Edgard Varèse y la socialité Kiki de Montparnasse. La realización de su Kiki de Montparnasse fue filmada por Pathé Cinema en 1929.

Los "dibujos en el espacio" fueron paralelos a la creación de su primera obra maestra, Cirque Calder (1926–31), un circo en miniatura que instalaba en el piso de su estudio o en apartamentos de amigos durante reuniones sociales. Repleto de artistas y animales de juguete que creó a partir de pedazos de tela, hilo, corcho y alambre, Calder mostraba los actos mientras proporcionaba efectos de sonido. Durante muchos años, Cirque Calder fue considerado un precursor juvenil de sus esfuerzos más serios. Sin embargo, estudios recientes sugieren que la carrera de Calder fue moldeada en gran medida por la creación de artistas mecánicos de circo y su activación de esos elementos en una carpa imaginaria en miniatura. La mecánica del Cirque le permitió resolver la complicada física de los objetos en movimiento e influyó directamente sobre su creación innovadora del dispositivo móvil: dispositivos perfectamente equilibrados que, a medida que atraviesan el espacio, modelan tridimensionalmente formas.

Una visita a fines de 1930 al estudio de Piet Mondrian, pintor holandés conocido por su abstracción geométrica, le dio a Calder el "shock", para usar la descripción registrada en su autobiografía de 1966 (Calder: An Autobiography with Pictures), que lo envió al arte abstracto: Comenzó a experimentar con el movimiento mecánico, como en Small Sphere y Heavy Sphere de 1932–33, que se posicionaban en el suelo varias veces, artículos utilitarios que podrían golpearse, creando varios sonidos, por dos bolas suspendidas en cables conectados al techo. La experimentación adicional con el movimiento lo llevó a crear piezas motorizadas; fueron esas obras las que fueron apodadas "móviles" por el provocador artista Marcel Duchamp.

Durante sus años en París, Calder se mostró ampliamente en Europa y los Estados Unidos y rápidamente se convirtió en un artista altamente reconocible debido a sus contribuciones únicas. Como uno de los escultores más experimentales durante las décadas de 1930 y 1940, estuvo involucrado con el grupo Abstraction-Création y con el surrealismo, pero nunca se alineó completamente con ningún movimiento.

En 1931 Calder se casó con Louisa James, una sobrina nieta del autor Henry James; la pareja finalmente tuvo dos hijos, Sandra y Mary. A mediados de 1933, habían regresado a la ciudad de Nueva York. Estableció estudios tanto en la ciudad como en una antigua casa de hielo en una granja de Roxbury, Connecticut, que se convirtió en su residencia principal por el resto de su vida. Con una energía aparentemente inagotable, Calder amplió el repertorio de formas en sus móviles de esferas a discos a formas orgánicas adaptadas de plantas y animales. Los años de la Segunda Guerra Mundial vieron escasez de chapa, y Calder se volvió hacia trozos de madera, fragmentos de vidrio y cerámica, latas y otros desechos que encontró en su propiedad de Roxbury, creando la serie Constelaciones y algunas de sus obras más queridas, incluyendo Finny Fish, de 1948. Siempre retocando, con sus simples herramientas manuales, que incluían alicates para doblar alambre y tijeras para cortar chapa metálica, además de numerosos móviles colgantes, creó obras en voladizo, bases que permitieron que el elemento móvil girara 360 °, incluido Laocoön (1947), y trabajos que se equilibraron en un solo punto, como Granada (1949). También produjo a gran escala atornillados stabiles, la mayoría de los cuales existen como arte público, incluyendo La Grande Vitesse (1969, Grand Rapids, Michigan) y Flamingo (1974, Federal Plaza, Chicago).

En las décadas de 1950 y 1960, Calder continuó siendo objeto de numerosas exposiciones, incluida una retrospectiva puesta en escena en el Museo Guggenheim de Nueva York, en 1964, y su posición como artista conocido, incluso muy querido, se solidificó. En gran parte, eso se debió a que sus obras coloridas, que generalmente usaba rojo, azul y amarillo, junto con blanco y negro, son directamente experienciales y no requieren una experiencia artística particular para apreciarlas. Sus móviles se describen comúnmente como evocando una alegría infantil en el espectador. Sin embargo, a medida que la era del arte moderno disminuyó y la era del arte contemporáneo se formó en la década de 1970, su reputación en el mundo del arte sufrió cuando los críticos y creadores de tendencias consideraron que su trabajo era demasiado lúdico o popular para ser tomado en serio. Su pintura de un avión en 1973 (para Braniff Airways) y un auto de carreras en 1975 (para BMW) se sumaron al desagrado crítico, actividades que, irónicamente, en el siglo XXI. 

Calder murió en 1976 a los 78 años, semanas después de la apertura de una gran retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. En el siglo XXI, la Fundación Alexander Calder documentó su producción en más de 22.000 obras.