Harry Belafonte

Harold George Belafonte, Jr., nació el 1 de marzo de 1927 en Harlem, Nueva York. Hijo de inmigrantes nacidos en el Caribe, regresó con su madre a su Jamaica natal a la edad de ocho años, permaneciendo allí durante los siguientes cinco años. 

Al regresar a los Estados Unidos, Belafonte abandonó la escuela secundaria para alistarse en la Marina de los Estados Unidos; después de su alta, se reasentó en la ciudad de Nueva York para forjarse una carrera como actor, actuando en el American Negro Theatre mientras estudiaba drama en el famoso Dramatic Workshop de Erwin Piscator, junto a Marlon Brando y Tony Curtis.

Un rol que obtuvo como cantante resultó en una serie de compromisos en cabarets, y eventualmente Belafonte incluso abrió su propio club. Inicialmente, uso su voz clara y sedosa para trabajar como cantante de pop, lanzando su carrera discográfica en el sello Jubilee en 1949; sin embargo, a comienzos de la década de 1950 descubrió la música folclórica, aprendiendo material a través de los archivos de canciones folclóricas estadounidenses de la Biblioteca del Congreso y descubriendo también la música de las Indias Occidentales. Con el guitarrista Millard Thomas, Belafonte pronto hizo su debut en el legendario club de jazz The Village Vanguard; en 1953 se mostró en la gran pantalla en Bright Road, ganando un premio Tony el año siguiente por su trabajo en la revista de Broadway, Almanac.

Con su papel principal en la adaptación cinematográfica de Otto Preminger de Carmen Jones, de Oscar Hammerstein, Belafonte saltó al estrellato; después de firmar con el sello RCA, lanzó Mark Twain y Other Folk Favorites, que alcanzó el puesto número tres en las listas de Billboard en las primeras semanas de 1956. Su siguiente trabajo, titulado simplemente Belafonte, alcanzó el número uno, dando inicio a unas locura a nivel nacional por la música calipso; Calypso, también lanzado en 1956, encabezó las listas de éxitos durante 31 semanas gracias a la fuerza de éxitos como "Jamaica Farewell" y el inmortal "Banana Boat (Day-O)".

Tras el éxito de An Evening with Belafonte de 1957 y su éxito "Mary's Boy Child", Belafonte regresó al cine, utilizando su considerable influencia para realizar la polémica película Island in the Sun, en la que su personaje contempla un romance con una mujer blanca interpretada por Joan Fontaine. De manera similar, Odds Against Tomorrow de 1959, lo mostró como un ladrón de bancos en compañía de un cómplice racista. También en 1959 lanzó el LP Belafonte en el Carnegie Hall, la grabación de una actuación totalmente vendida del mes abril que pasó más de tres años en las listas de éxitos; seguido en 1960 por Belafonte Returns to Carnegie Hall que contó con apariciones de Odetta, Miriam Makeba, y el Chad Mitchell Trio.

A finales de los años 60, Belafonte se convirtió en el primer productor negro de televisión; su especial Tonight with Harry Belafonte ganó un premio Emmy ese mismo año. Aunque insatisfecho con el cine, continuó su prolífica producción de álbumes con Jump Up Calypso de 1961 y The Midnight Special de 1962, que contó con la primera aparición grabada de un joven intérprete de armónica llamado Bob Dylan. Cuando The Beatles y otras estrellas de la invasión británica comenzaron a dominar las listas de éxitos, el impacto de Belafonte como fuerza comercial disminuyó. 

Belafonte at the Greek Theatre de 1964 fue su último trabajo en el Top 40, y los esfuerzos posteriores como el de 1965, An Evening with Belafonte/Makeba y In My Quiet Room de 1966 lucharon incluso para alcanzar el Top 100. Homeward Bound de 1969 le dio a Belafonte su última aparición en la lista Billboard, aunque continuó grabando. Luego hizo su primera aparición en una película en más de una década en The Angel Levine, de la década de 1970 y continuó enfocándose en su trabajo como activista de derechos civiles.

Además de su continuado trabajo en la grabación (aunque con menos frecuencia después de dejar RCA a mediados de los 70) y en cine con Buck and the Preacher de 1972, y Uptown Saturday Night en 1974), Belafonte pasó una cantidad cada vez mayor de los años 70 y 80 como un incansable humanitario; fue una figura central del esfuerzo de Estados Unidos por África, cantando en el single de 1985 "We Are the World". Un año después, reemplazó a Danny Kaye como Embajador de Buena Voluntad de UNICEF. 

Después de una larga ausencia de la pantalla, reapareció a mediados de los 90 con varios papeles en el cine, sobre todo en el drama de racismo inverso White Man's Burden y en la película de Robert Altman sobre la época del jazz, Kansas City. Aunque ya había dejado de grabar música nueva, mantuvo su nombre en las noticias al lanzar el álbum en vivo (incluyendo An Evening con Harry Belafonte & Friends) en 1997, además de ser un abierto defensor del presidente venezolano Hugo Chávez y oponente del gobierno de George W. Bush. 

Su trabajo político y social volvió a surgir a finales de la década de 2010, cuando curó una antología que abarca toda su carrera, The Legacy of Harry Belafonte: When Colors Come Together, que presentó una versión regrabada de "When Colors Come Together (Nuestra isla en el Dom)." Escrito originalmente por Belafonte para su película Island in the Sun, esta versión incluía un coro de niños interracial para consolidar el tema de la inclusión.

Joni Mitchell

Roberta Joan Anderson nació el 7 de noviembre de 1943 en Fort Macleod, Canadá. A la edad de 9 años contrajo polio, y fue durante su recuperación en el hospital que comenzó a cantar a los pacientes. Después de aprender por sí misma a tocar la guitarra, fue a la escuela de arte y rápidamente se convirtió en una de las artistas folclóricas más importantes de finales de los años sesenta y setenta.

Al comienzo de su carrera, las composiciones de Mitchell eran altamente originales y personales en sus imágenes líricas. Fue este estilo el que atrajo por primera vez la atención de las audiencias de música folclórica de Toronto cuando aún estaba en su adolescencia. Se mudó a los Estados Unidos a mediados de la década de 1960 y en 1968 grabó su primer álbum, Joni Mitchell, producido por @bio:David Crosby}.

Otros álbumes muy exitosos le siguieron. Joni Mitchell ganó su primer premio Grammy (mejor actuación popular) en 1969, por su segundo álbum, Clouds. Su tercer álbum, Ladies of the Canyon, fue un gran éxito para la cantante de folk, convirtiéndose en su primer álbum de oro, que incluyó los éxitos "The Circle Game" y "Big Yellow Taxi". Fue durante este tiempo que ya estaba empezando a experimentar con los géneros pop y rock.

Su álbum Court and Spark (1974) señaló su incursión en la fusión entre jazz y jazz fusión y fue alabado por la crítica; terminó convirtiéndose en su proyecto más exitoso comercialmente hasta la fecha y fue nominado a cuatro premios Grammy, de los cuales  ganó por el mejor arreglo instrumental de acompañamiento al vocalista.

Durante las últimas cuatro décadas, Mitchell ha ganado varios premios Grammy en varias categorías, entre ellas pop tradicional, música pop y logros de toda la vida. Otras notables grabaciones exitosas incluyen Blue (1971), The Hissing of Summer Lawns (1975), la altamente experimental Hejira (1976) y Turbulent Indigo (1994). 

Mitchell no fue la único que logró éxitos con las canciones que escribió. Otros músicos han grabado versiones exitosas de sus canciones, incluida Judy Collins; los Counting Crows y Crosby, Stills, Nash y Young.

Sus últimos álbumes incluyen Taming the Tiger (1998), Both Sides Now (2000) y los álbumes recopilatorios Dreamland (2004) y Songs of a Prairie Girl (2005). Además de su extenso trabajo, ha ejercido una enorme influencia en otros artistas con su estilo único de guitarra y letras expresivas.

Mitchell fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Rock en 1997 y en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses en el 2007.

En 2007 lanzó Shine, su primer álbum de nuevas canciones en casi una década. Con carga política y conciencia ambiental, el álbum fue un éxito de Billboard y fue el decimonoveno y último álbum de estudio.

En 2015, Mitchell experimentó otra crisis de salud. A finales de marzo se conoció la noticia de que la cantante había sido hospitalizado. Algunos informes indicaron más tarde que estaba en coma, pero un portavoz de la cantante corrigió ese error. Leslie Morris, una amiga de Mitchell, fue nombrada su curadora por un juez de California en mayo.

En su vida personal, mientras estudiaba arte en la universidad, Mitchell quedó embarazada y dio a luz a Kelly Dale Anderson, en 1965. El padre biológico se negó a casarse con Mitchell, y ella sintió que no tenía más remedio que entregar a su hija en adopción. Los padres adoptivos cambiaron el nombre de la niña a Kilaruen Gibb. Después de mantener a su hija en secreto y de estar separada de ella durante más de 30 años, Mitchell se reunió con ella en 1997.

Unas pocas semanas después de dar a luz a Kilaruen, Mitchell conoció al cantante de folk estadounidense Chuck Mitchell y se casó con él 36 horas después de conocerlo. La pareja se fue a Michigan, donde tuvieron una ceremonia oficial en junio de 1965 y ella tomó su apellido. Se divorciaron dos años después.

En 1982, Mitchell se casó con el bajista Larry Klein, quien trabajó en su álbum Wild Things Run Fast. Klein pronto se convirtió en un productor musical establecido y trabajó en varios álbumes de Mitchell a finales de los 80 y principios de los 90. Mientras la pareja trabajaba en Turbulent Indigo, finalmente se divorciaron en 1994. Al año siguiente, Turbulent Indigo ganó un Grammy por el mejor álbum de pop. 

Alberto Cortez

El cantante y compositor argentino José Alberto García Gallo, conocido artísticamente como Alberto Cortez, nació en Rancul el 11 de marzo de 1940. 

Estudió Derecho en Buenos Aires, pero pronto optó por el mundo de la música. Comenzó a cantar a medida que se forjaba una carrera en el espacio televisivo de medianoche, en la capital del Plata; más tarde formó la Orquesta de San Francisco. Tuvo la oportunidad de hacer una gira por Europa, y al llegar a España, se sintió en su país. 

Comenzó a grabar álbumes a principios de la década de 1960 e inicialmente disfrutó de una amplia aceptación. Fue conocido entonces con el sobrenombre de Mister Sucu Sucu, por la enorme popularidad que obtuvo con un tema así titulado. Compuso canciones de enorme éxito, como "Las palmeras", "Dile", "Renata", "Pérez me dijo", "Balada del amanecer", "Mini minifalda", etc.; las grabaciones fueron constantes en el período 62-67, durante el cual lanzaba un EP cada tres meses. Pero en 1967, Cortez se cansó de tanta frivolidad y optó por una imagen más seria de artista integral en la línea de sus compatriotas Eduardo Falú o el gran Atahualpa Yupanqui.

El 25 de abril de 1967 dio un recital en el teatro de la Zarzuela de Madrid, donde presentó su nueva faceta de cantautor. Contra lo que se podría esperar, triunfó, y en gran manera. En definitiva, abandonó su etapa anterior de canciones insulsas y fáciles y comenzó a trabajar en discos de alta calidad. El primero de ellos fue de poemas y canciones, recogiendo gran parte del mencionado concierto. Su recepción fue tan buena que se editó un segundo volumen y ese mismo año (1967) publicó un tercer LP con el tema Ataualpa Yupanki: tres álbumes en un año, algo difícil de predecir para quién había dado un cambio tan radical a su carrera.

En 1969, el compositor y cantante publicó el primer gran álbum original de su nueva carrera. Allí incluyó temas que se hicieron clásicos como "Cuando un amigo va", "Abuelo", "Hay un Madrid" o "Manolo". Continuó editando discos con gran regularidad: Distancia, No soy de aquí, Equipaje, etc. Descubrió a los cantautores que gustaban al públicos español como Facundo Cabral, quien adaptó "Pobre mi patrón", y colaboró con otros como Patxi Andión, con quien hizo los duetos "Puede ser el txacolí" y "Ejecutivos", canción esta última de María Elena Walsh. También cantó "Gracias a la vida" de Violeta Parra. Uno de sus temas, la música de fondo para el poema de Antonio Machado, "Moscas", fue tomado por Joan Manuel Serrat, que lo difundió por toda España y la incluyó en su álbum dedicado a Machado. El disco Soy un charlatán de feria, de 1976, musicalizó por primera vez a Jorge Luis Borges ("La lluvia").

Aprovechando el décimo aniversario de su recital en el teatro de la Zarzuela, ofreció otro para grabar un nuevo álbum, en vivo desde Madrid, donde revisó los temas más conocidos de su carrera, que continuó de manera precisa y manteniendo la calidad. Todos ellos son dignos de mención, Gardel...como yo te siento (1984), con la colaboración de Astor Piazzolla en varios temas, y Coincidencias, publicadas en 1990, donde hizo duetos con artistas que habían tenido contacto con su trabajo como Serrat ("Las moscas"), Mercedes Sosa ("Distancia"), Paco de Lucía ("A mis amigos") Facundo Cabral ("No soy aquí") o Susana Rinaldi ("Ccuando un amigo va"), entre otros.

La década de los noventa comenzó a romper su contrato con la etiqueta Hispavox, a la que había sido fiel durante treinta años. Firmó para Polygram y en México grabó Si vieras qué fácil (1991). En 1993 también editó en México Aromas y, dos años más tarde, publicó en el disco la banda sonora de su espectáculo Lo Cortez no quita lo Cabral, que recorrió media España con el único acompañamiento de piano de Ricardo Miralles. Durante una gira por Argentina en 1996 se presentó un delicado problema circulatorio y tuvo que someterse a una cirugía. El reposo necesario lo obligó a descansar en los siguientes años.

El 3 de abril de 2019, Alberto Cortez falleció en un hospital de Madrid donde había sido internado de urgencia por una fiebre muy alta

Tom Petty

El cantante y compositor estadounidense Thomas Earl Petty nació el 20 de octubre de 1950 en Gainesville, Florida. 

A los 10 años, Petty fue presentado por su tío a Elvis Presley, quien estaba filmando Follow That Dream (1962) en Florida, donde Petty creció. Dos años más tarde ya tocaba la guitarra. Abandonó la escuela secundaria para hacer una gira con su banda Mudcrutch a principios de los años setenta. Después de llegar a Los Ángeles, la banda se desintegró rápidamente, pero en 1975 Petty y dos ex miembros, Mike Campbell y Benmont Tench, se unieron a Ron Blair y Stan Lynch para formar Tom Petty y los Heartbreakers. 

El álbum debut homónimo de la banda, lanzado en 1976, inicialmente causó poco revuelo en los Estados Unidos, pero el single "Breakdown" fue un éxito en Gran Bretaña y, cuando se relanzó en los EE. UU. en 1978, la canción llegó al Top 40. Damn the Torpedoes (1979), con los éxitos "Don't Do Me Like That" y "Refugee", se disparó al número dos y, aunque el éxito del grupo en la década de 1980 se estabilizó, hubo varios hits, incluido el dúo de Petty con Stevie Nicks, "Stop Draggin 'My Heart Around" (1981), y "Don’t Come Around Here No More" (1985) de los Heartbreakers. La banda también ganó notoriedad por sus videos musicales.

En 1984, Petty se rompió la mano después de golpear la pared del estudio con frustración, pero, para sorpresa de los médicos, se recuperó para tocar la guitarra nuevamente. Los Heartbreakers fueron soporte de Bob Dylan en su gira de 1986, y luego Petty se unió a Dylan, el ex Beatle George Harrison, Roy Orbison y Jeff Lynne (antes de la Electric Light Orchestra) en el supergrupo Traveling Wilburys, con quien Petty obtuvo su primer premio Grammy en 1989. Ese año, Lynne le produjo su primer álbum en solitario, Full Moon Fever, poniendo a Petty de nuevo en las listas con el sencillo "Free Fallin'". Esta renovada popularidad siguió en la década de 1990 con más álbumes de grupo y solistas, incluyendo la multimillonariamente vendido Wildflowers (1994), que se presentó como un álbum en solitario pero contó con contribuciones de los Heartbreakers, especialmente el guitarrista Campbell, colaborador esencial de Petty.

En 1996, el divorcio de su esposa durante más de 20 años lo afectó psicológicamente y contribuyó a su consumo de heroína. Ese período de angustia emocional y, en última instancia, de introspección llevó a la creación de uno de sus álbumes más profundamente personales, Eco (1999). En 2001 Petty volvió a casarse, con Little Richard dirigiendo la ceremonia. 

Al año siguiente, él y los Heartbreakers fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y lanzaron The Last DJ, cuya canción principal era una acusación mordaz a la codicia de la industria musical. Al tercer álbum en solitario de Petty, Highway Companion (2006), le siguió Mojo (2010) empapado con los blues de los Heartbreakers. Hypnotic Eye, otro álbum de los Heartbreakers, encabezó la lista de álbumes de Billboard en 2014.

La noche del domingo 1 de octubre de 2017, Petty sufrió un infarto en su casa de Malibú, Los Ángeles. Se mantuvo internado en el hospital de Santa Mónica y conectado a máquinas de soporte vital. Los medios reportaron erróneamente su muerte, pero esto fue desmentido en su momento por las autoridades locales.​ Finalmente, durante las últimas horas del lunes 2 de octubre, su familia confirmó mediante un comunicado el fallecimiento de Petty.​

El lunes 2 de octubre de 2017 en las redes sociales del artista se pudo leer el siguiente anuncio:

"En nombre de la familia de Tom Petty nos sentimos devastados al anunciar la muerte prematura de nuestro padre, esposo, hermano, líder y amigo Tom Petty".

"Murió pacíficamente a las 8:40 pm PST rodeado de familia, compañeros de banda y amigos".

Portia Nelson

Betty Mae Nelson nació el 27 de marzo de 1920 en Brigham City, Utah. Al crecer en una granja familiar, Nelson aprendió por sí misma a tocar el piano. Asistió al Weber College en Ogden, Utah, donde actuó en espectáculos y escribió canciones y bocetos. Se hizo famosa por el apodo que había tomado de un popular programa de radio, "Portia salva el mundo".

Después de la universidad, Nelson fue a Los Ángeles, donde se unió al grupo musical King Sisters, como miembro de la banda. A través de King Sisters, hizo conexiones en Universal Studios, donde trabajó como publicista. Fue descubierta cantando gratis en un club nocturno de Los Ángeles, por el director de CBS, Walter Gross y pronto firmó un contrato con Columbia Records.

Durante la década de 1950, Nelson era principalmente un cantante de cabaret, realizando exitosas presentaciones en clubes de Nueva York como The Blue Angel, Bon Soir y Le Ruban Bleu. Su carrera discográfica también estaba despegando. En 1952 y 1953 actuó en cuatro grabaciones de estudio de musicales producidos por Goddard Lieberson: Oklahoma!, Roberta, On Your Toes y The Boys from Syracuse. Nelson grabó varios álbumes en solitario durante la década de 1950, como Love Songs for a Late Evening (1952), Autumn Leaves (1956), Let Me Love You: Portia Nelson Sings the Love Songs of Bart Howard (1956) y Sunday in New York (1959). También produjo algunos de sus propios álbumes, así como Elaine Stritch's Stritch (1955).

La carrera de Nelson en Broadway comenzó con uno de los fracasos más prestigiosos de Broadway, The Golden Apple (1954). El musical, con una partitura de Jerome Moross y John Latouche, ambientó las grandes epopeyas de Homero a fines del siglo pasado en el Estado de Washington. Solo duró unos meses, pero se ha convertido en un favorito de culto de muchos fanáticos del teatro. Nelson interpretó a la señorita Minerva Oliver. Su única otra aparición en Broadway fue en la revista de corta duración, Almost Crazy (1955). En 1976, actuó en otro musical, destinado a vertirse en una obra de culto, The Baker's Wife. El musical de Stephen Schwartz cerró fuera de la ciudad y nunca llegó a Broadway, pero muchas de las canciones, especialmente "Meadowlark" se han convertido en estándares de cabaret. Nelson también apareció en producciones regionales de Apollo y Miss Agnes, y The Boyfriend.

Su papel cinematográfico más recordado fue el de la hermana Berthe en The Sound of Music (Sonrisas y lágrimas 1965). Apareció en películas como The Trouble with Angels (1966), Doctor Dolittle (1967) y The Other (1972). También estuvo en algunas series de televisión, especialmente All My Children, y apareció en muchos comerciales de televisión.

Nelson comenzó a escribir canciones en la escuela secundaria y a menudo realizaba sus propias composiciones en sus actos de cabaret. Sus canciones también fueron cubiertas por otros artistas prominentes como Jane Russell, Jo Stafford, Marilyn Horne y Debbie Reynolds. En 1996 lanzó un álbum de sus canciones, Portia Nelson: This Life: Her Songs and Her Friend. En 1997 ganó el Premio MAC (Manhattan Association of Cabarets and Clubs) a la Canción del Año por "As I Remember Him". Escribió un libro, concepto, música y letras para los musicales The Midnight Ride of Paul Revere, Sleeping Beauty y El príncipe feliz.

Después de su primer combate contra el cáncer, a fines de la década de 1970, escribió un libro titulado There’s a Hole in My Sidewalk, que describió como "una serie de pensamientos en verso libre". El primer poema, del cual el libro toma su título, ha sido popular desde su publicación, entre los grupos de recuperación de adicciones, autoayuda y terapia.

Portia Nelson murió de cáncer en la ciudad de Nueva York el 6 de marzo de 2001.