Giacomo Puccini

(Lucca, actual Italia, 1858 - Bruselas, 1924) Compositor italiano. Heredero de la gran tradición lírica italiana, pero al mismo tiempo abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo, Puccini se convirtió en el gran dominador de la escena lírica internacional durante los primeros decenios del siglo XX. No fue un creador prolífico: sin contar algunas escasas piezas instrumentales y algunas religiosas compuestas en su juventud, doce óperas conforman el grueso de su producción, cifra insignificante en comparación con las de sus predecesores, pero suficiente para hacer de él un autor clave del repertorio operístico y uno de los más apreciados y aplaudidos por el público.

Puccini

Giacomo Puccini nació en el seno de una familia alguno de cuyos miembros había ocupado, desde el siglo XVIII, el puesto de maestro de capilla de la catedral de Lucca. A la muerte de su padre, Michele, en 1863, el pequeño Giacomo, pese a no haber demostrado un especial talento músico, fue destinado a seguir la tradición familiar, por lo que empezó a recibir lecciones de su tío Fortunato Magi, con resultados poco esperanzadores.

Fue a la edad de quince años cuando el director del Instituto de Música Pacini de Lucca, Carlo Angeloni, consiguió despertar su interés por el mundo de los sonidos. Puccini se reveló entonces como un buen pianista y organista cuya presencia se disputaban los principales salones e iglesias de la ciudad.

En 1876, la audición en Pisa de la Aida de Verdi constituyó una auténtica revelación para él; bajo su influencia, decidió dedicar todos sus esfuerzos a la composición operística, aunque ello implicara abandonar la tradición familiar. Sus años de estudio en el Conservatorio de Milán le confirmaron en esta decisión. Amilcare Ponchielli, su maestro, lo animó a componer su primera obra para la escena: Le villi, ópera en un acto estrenada en 1884 con un éxito más que apreciable.

Con su tercera ópera, Manon Lescaut, Puccini encontró ya su propia voz. El estreno de la obra supuso su consagración, confirmada por su posterior trabajo, La bohème, una de sus realizaciones más aclamadas. En 1900 vio la luz la ópera más dramática de su catálogo, Tosca, y cuatro años más tarde la exótica Madama Butterfly.

Su estilo, caracterizado por combinar con habilidad elementos estilísticos de diferentes procedencias, ya estaba plenamente configurado. En él la tradición vocal italiana se integraba en un discurso musical fluido y continuo en el que se diluían las diferencias entre los distintos números de la partitura, al mismo tiempo que se hacía un uso discreto de algunos temas recurrentes, a la manera de Wagner. A ello hay que añadir el personal e inconfundible sentido melódico de su autor, una de las claves de la gran aceptación que siempre ha tenido entre el público.

Sin embargo, a pesar de su éxito, tras Madama Butterfly Puccini se vio impelido a renovar un lenguaje que amenazaba con convertirse en una mera fórmula. Con La fanciulla del West inició esta nueva etapa, caracterizada por conceder mayor importancia a la orquesta y por abrirse a armonías nuevas, en ocasiones en los límites de la tonalidad, que revelaban el interés del compositor por la música de Claude Debussy y Arnold Schönberg. En la misma senda, el músico de Lucca promovió la renovación de los argumentos de sus óperas, se distanció de los temas convencionales tratados por otros compositores y abogó por un mayor realismo.

Todas estas novedades contribuyeron a que sus nuevas óperas, entre ellas las que integran Il trittico, no alcanzaran, pese a su calidad, el mismo grado de popularidad que sus obras anteriores. Su última ópera, la más moderna y arriesgada de cuantas escribió, Turandot, quedó inconclusa a su muerte. La tarea de darle cima, a partir de los esbozos dejados por el maestro, correspondió a Franco Alfano.

Gloria Estefan

(Nombre artístico de Gloria Fajardo; La Habana, Cuba, 1957) Vocalista de Pop y Salsa. Hija de José Fajardo, policía y destacado jugador de balón-volea, emigró a Miami pocos meses después del triunfo de la Revolución de Fidel Castro. Su padre fue uno de los mil cuatrocientos anticastristas que desembarcaron en Bahía de Cochinos y hecho prisionero, pasando después a integrarse en el ejército norteamericano y siendo enviado a Vietnam, de donde regresó enfermo de esclerosis múltiple y trastornos mentales.

Gloria Estefan estudió en un colegio católico de Miami, donde aprendió a tocar la guitarra y se inició en el aprendizaje de la música. Se graduó en la posición 25 de un total de ciento cincuenta y cuatro alumnos de su curso. Por aquel entonces conoció a quien posteriormente sería su esposo, Emilio Estefan, hijo de español y libanesa, integrante de The Miami Latin Boys, grupo salsero de escasos recursos económicos (todos sus miembros habían adquirido los instrumentos en tiendas de segunda mano).

Gloria Estefan

Gloria debutó con ellos como vocalista en una fiesta para cubanos en el Hotel Dupont, interpretando el tema What a difference a day makes, allá por 1974. Quedaba formado de este modo la base de lo que sería el grupo Miami Sound Machine, que con ese nombre se había creado un año antes. Gloria Estefan compaginaba las cada vez más frecuentes actuaciones, sus estudios de psicología y comunicaciones en la Universidad de Miami mientras trabajaba como intérprete en el Servicio de Inmigración y Naturalización e impartía clases de guitarra tres noches por semana.

En 1976, el conjunto de Salsa -ya bajo el nombre de Miami Sound Machine- graba su primer álbum, con una cara en castellano y otra en inglés, incluyendo el tema que se convertiría en su primer gran éxito, Renacer, una canción que permaneció dieciséis semanas en la primera posición del Top USA de música latina. Los éxitos menores en listas latinas se suceden hasta 1984, cuando consiguen conquistar el mercado británico. Desde 1987, Gloria Estefan (que termina siendo el integrante más veterano de la formación) encabeza el grupo.

Casada en 1979 con Emilio (por el mismo sacerdote que casó a sus padres en La Habana) y dirigiendo éste los hilos de su carrera musical, la trayectoria ascendente de Gloria Estefan pudo haberse frustrado la noche del 20 de marzo de 1990, cuando un tractor embistió por detrás el autobús en el que descansaba la banda durante una tormenta de nieve, en el arcén de una carretera de Pennsylvania, cerca de la ciudad de Scranton.

La fractura de dos vértebras cervicales obligó a la intérprete a sucesivas intervenciones quirúrgicas que pasaban por la sustitución total de varios músculos de la espalda por varillas metálicas de hasta ocho pulgadas de longitud para sujetar las vértebras dañadas y más de cuatrocientos puntos de sutura. Tal vez los meses de rehabilitación y las consiguientes limitaciones físicas replantearon su estilo musical, fruto del cual recibe en marzo de 1994 el Grammy al "mejor disco latino tropical" de 1993 por Mi Tierra, un álbum totalmente dedicado al recuerdo de su isla natal.

En 1994 edita un nuevo L.P., repaso de clásicos del Pop y el Soul americano de los sesenta, pero en septiembre de 1995 vuelve a la carga con otro álbum latino, con el título de Abriendo Puertas, que cuenta con la colaboración de Paquito De Rivera, Tito Puente, Israel López "Cachao", Sheila E o Luis Enrique, naturalmente con la producción de Emilio Esteban. El éxito lleva a Gloria Estefan a la posición más alta en su carrera, convirtiéndola en la estrella de música latina más importante de la década, a la altura ya de una Celia Cruz o un Rubén Blades.

Gloria Estefan y su marido en los Grammy (2003)

Después de este lanzamiento en castellano, y debido al olfato comercial de esta cubana, el siguiente disco de Gloria Estefan es Destiny, editado en el año 1996, y en inglés. A este registro le sigue Gloria!, del año 1998, disco también grabado en inglés, a pesar de que su single de adelanto sea el tema Oye. A pesar de ello, Gloria graba también alguna versión en castellano, como la que está incluida en el cd single de Oye.

En el año 1999 grabó junto a Só Pra Contrariar el clásico tema Santo, incluido en el álbum del artista brasileño. El tema Cuba Libre se oyó insistentemente durante el verano de 1999, mientras Emilio Estefan apareció frecuentemente en diversos programas de debate de la televisión de Miami, donde recibe el cariñoso apodo de Padrino, nombre tambien de la empresa de limusinas mas importante de la ciudad.

En el año 2000 publicó un nuevo elepé, Alma caribeña, una especie de continuación de Mi tierra, pero con más fusión. Gloria Estefan lo definió como un disco "más atrevido, con más fusión, hecho sin restricciones creativas. En cuanto a lo musical, predomina lo cubano, con el son y un viejo ritmo llamado caballito, pero también tiene algo de salsa de los años setenta, tipo Fania; bachata dominicana y murga panameña". Entre las colaboraciones especiales figuraron las del puertorriqueño José Feliciano y la también cubana Celia Cruz. Reapareció en 2003 con Unwrapped, nuevo disco grabado en inglés con una fuerte carga de sonidos étnicos y colaboraciones de lujo, como las de Stevie Wonder y Chrissie Hynde.

Luciano Pavarotti

(Módena, 1935 - 2007) Tenor italiano, considerado uno de los mejores del siglo XX, cuya popularidad contribuyó a la difusión de la lírica fuera del ámbito estrictamente operístico. Luciano Pavarotti dio sus primeros pasos en el mundo de la lírica como cantante de coro. Después de trabajar durante dos años como profesor de una escuela elemental, realizó estudios de canto en su ciudad natal con Arrigo Pola, y años después perfeccionó su técnica en Mantua con Ettore Campogalliani.

Luciano Pavarotti

Debutó el 29 de abril de 1961 en la ciudad italiana de Reggio Emilia con el papel que más tarde le haría popular: el de Rodolfo en La bohème, de Giacomo Puccini. En 1963, en el Covent Garden de Londres, sustituyó a Giuseppe di Stefano en dicho papel, interpretación que le valió un gran éxito de crítica y público. Ese mismo año debutó en Viena, en Zurich y, con el rol de Edgardo (Lucia di Lammermoor), en Ámsterdam. Su primera actuación en España tuvo lugar en Barcelona en 1963, con una única representación de La traviata, de Giuseppe Verdi. Asimismo, se le pudo escuchar en 1964 en el Festival de Ópera de Glyndebourne, donde interpretó el papel principal del Idomeneo de Mozart junto a la cantante Enriqueta Tarrés. Un año más tarde, en 1965, se produjo su debut norteamericano en Miami.

Ese mismo año, y tras haber conocido al director de orquesta Richard Bonynge, esposo de la soprano Joan Sutherland, realizó una gira por Australia cantando de nuevo el rol de Edgardo (Lucia di Lammermoor) con la compañía operística de la citada soprano, que más adelante sería su pareja en óperas de Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini. El éxito que consiguió con La fille du Régiment de Donizetti, con su difícil aria de tenor, alcanzó impresionantes niveles. Desde entonces su carrera fue imparable.

En 1966 cantó por primera vez en el Teatro de la Scala de Milán un papel secundario, el de Tebaldo en I Capuleti ed i Montecchi de Bellini, y a ese mismo teatro volvería más adelante en el papel de Des Grieux de la ópera Manon, de Jules Massenet y, ya en 1967, el Réquiem de Verdi con motivo del centenario del maestro Arturo Toscanini. Un año más tarde debutó en San Francisco interpretando a Rodolfo (La bohème), Nemorino (L'elissir del amore) y Enzo (en La Gioconda de Amilcare Ponchielli). En el Metropolitan de Nueva York interpretó en 1968 en su papel favorito: el de Rodolfo de La bohème, y más adelante representó en ese mismo teatro a Fernando (La Favorita, de Donizetti), Arturo (I puritani, de Bellini) y Manrico (Il trovatore, de Verdi), entre otros.

A pesar de algunos fracasos puntuales, como el de la Scala con Don Carlo de Verdi en 1992, Pavarotti fue un tenor de reconocido prestigio que poseía una bella voz de brillantes agudos y elegante estilo, que apenas si perdió colorido a pesar del paso del tiempo. Fue el único tenor, junto a Nicolai Gedda, capaz de cantar el famoso Fa5 en falsete escrito en la parte final de la ópera I puritani. La singular pureza de su voz, la disciplina técnica del cantante y su extraordinaria musicalidad le permitieron, en efecto, cantar con aparente facilidad los fragmentos de más complicada estructura melódica o tonal.

Como Nemorino en L'elissir del amore de Donizetti

Entre sus interpretaciones destacadas figuran también la grabación de Madame Butterfly (en la que trabajó con su gran amiga la soprano Mirella Freni y con Herbert von Karajan), su interpretación del duque de Mantua en Rigoletto de Verdi y su Nemorino de L'elissir del amore de Donizetti. En 1991 cantó Otello en versión de concierto con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de Sir Georg Solti. De sus numerosos trabajos discográficos, cabe citar el de Arnold (Guillaume Tell, de Gioachino Rossini), Orombello (Beatrice di Tenda, de Bellini) y el rol principal de la ópera L'amico Fritz, de Pietro Mascagni.

Su arrolladora personalidad y sus grandes dotes de comunicación posibilitaron que, a partir de la década de los años ochenta, Pavarotti se hiciera popular en todo el mundo a través de grabaciones, vídeos y conciertos. Con un repertorio no muy extenso, pero escogido, centrado en los grandes títulos de la ópera francesa e italiana románticas, de Bellini y Donizetti a Verdi y Puccini, este tenor supo hacerse con un amplio grupo de admiradores, merced también a sus incursiones en la música popular y a sus recitales en grandes espacios, en ocasiones en compañía de Plácido Domingo y José Carreras bajo el apelativo común de Los Tres Tenores. Con ellos dio recitales en lugares como las Termas de Caracalla, con motivo del Mundial de Fútbol de 1990, además de participar en conciertos benéficos para contribuir a la reconstrucción de los teatros de La Fenice (Venecia) y del Liceu (Barcelona). En 1996 interpretó de nuevo a Rodolfo de La bohème en Turín, junto a Mirella Freni, para la celebración del centenario del estreno de dicha ópera.

El tenor italiano también dedicó parte de su tiempo a impartir clases magistrales en diversos conservatorios del mundo. Su apoyo a los jóvenes cantantes se materializó en el concurso de canto que lleva su nombre, Luciano Pavarotti International Vocal Competition, cuya primera edición se celebró en 1980.

Su compromiso social como cantante se tradujo en múltiples actuaciones solidarias, como la que tuvo lugar en 1992 a favor de la Fundación Berloni, que lucha contra la anemia mediterránea. Tras este concierto, Pavarotti participó en una serie de recitales titulados War Child junto a estrellas de la canción como Bono (líder de U2), Elton John o Liza Minnelli. En 1997 se inauguró en Mostar (Bosnia-Herzegovina) el centro musical Pavarotti Music Centre, gracias a los beneficios obtenidos en las giras del espectáculo Pavarotti & Friends en 1995 y 1996. Posteriormente, y mediante el citado proyecto musical, Pavarotti aportó ayudas a proyectos en Guatemala y Kosovo (1999), y en Camboya y el Tibet al año siguiente.

Pavarotti se mantuvo activo en los últimos años, pero paulatinamente empezó a reducir su presencia en los escenarios. Los rumores acerca de su retirada se acrecentaron en julio de 2006, cuando canceló todos sus compromisos por una convalecencia provocada por una intervención de un tumor maligno en el páncreas. El 5 de Septiembre de 2007, el Gobierno italiano concedió a Pavarotti el Premio Excelencia en la Cultura de Italia. Un día después fallecía a causa de su enfermedad.

Barbra Streisand

(Barbara Joan Streisand, Nueva York, 1942) Cantante, actriz y directora de cine estadounidense. Tras conseguir cierto reconocimiento como cantante, debutó en Broadway en un musical que no tuvo éxito; pero ella se convirtió en el centro del espectáculo por su manera de cantar y sus payasadas. Ganó el premio de la crítica de Nueva York y fue catapultada al estrellato casi de la noche a la mañana. Inmensamente popular, compensó la imperfección de su rostro con una voz vibrante y un magnetismo entusiasta. Cuando en 1968 hizo su debut en el cine, estaba ya atrincherada en la cima de la industria del espectáculo estadounidense. Se demostró a sí misma que podía ejercer idéntico dominio en el medio cinematográfico que en el teatral y el discográfico y ganó un Oscar por Funny Girl (1968). A pesar de la mediocridad de la mayoría de sus vehículos de los años 70, continuó siendo una de las mayores atracciones de la taquilla. En 1977 obtuvo el Oscar por la composición de Evergreen, la canción de Ha nacido una estrella. En los años 80 se pasó a la dirección, y se dirigió a sí misma en Yentl (1983) y El príncipe de las mareas (1991), película que obtuvo varias nominaciones al Oscar.

Barbra Streisand

Hija de un intelectual estudioso de Shakespeare, Ibsen y Chéjov, Barbra Streisand se quedó huérfana cuando sólo tenía quince meses. La figura del padre que nunca llegó a conocer (y al que dedicaría el filme Yentl) estaría siempre presente en su carácter y en su carrera. Streisand estudió en el Erasmus Hall High School y comenzó a trabajar muy pronto desempeñando todo tipo de oficios, hasta que un día se trasladó desde Brooklyn a Greenwich Village, donde le esperaba una nueva vida. El Club Lion convocaba un concurso de canto, en el que Streisand participó y ganó el premio: cincuenta dólares.

A partir de entonces, y durante dos años, actuó en locales nocturnos a la vez que se iba acercando poco a poco al teatro. En 1961 debutó en Broadway; los éxitos se sucedieron y alcanzó reconocimiento con la obra I can get it for you wholesale, en la que trabajó junto a Elliot Gould, que al cabo de un año se convirtió en su marido. Pero el teatro no fue suficiente. Al mismo tiempo que salían sus álbumes, apareció en programas de televisión y radio y el público se descubrió ante su voz.

El 13 de enero de 1964 se celebró en Boston la primera representación de Funny Girl, la obra que la lanzó al estrellato: dos meses después de su estreno, las representaciones se trasladaron al Winter Garden de Nueva York. Por esa época tenía su propio programa de televisión, My name is Barbra, por el que ganó varios Emmy. A éstos se les sumó, a finales de los 70, el Tony especial que le fue concedido por sus actuaciones en Broadway. Para entonces, el presidente John Kennedy ya la había invitado a cenar en la Casa Blanca, y cobraba tanto como Frank Sinatra. Barbra Streisand estaba a punto de saltar a la pantalla grande.

Su actividad cinematográfica fue muy peculiar. A pesar de no ser una gran actriz y de contar en su filmografía con auténticos fiascos como Ha nacido una estrella (1976) o Combate de fondo (1979), el público la adoraba; abarcaba tantos campos que contaba con fans en todos los frentes. Con su primera película, la versión cinematográfica de Funny Girl (1968), consiguió un Oscar. Cobró 90 millones por la segunda, Hello Dolly (1969), y trabajó a las órdenes de William Wyler, Vincente Minnelli, Gene Kelly, Herbert Ross, Peter Bodganovich o Sidney Pollack, al tiempo que fundaba su propia productora, Bar-Wood Films. Otras películas en que participó como actriz fueron La gatita y el búho (1970), ¿Qué me pasa, doctor? (1971), Tal como éramos (1973), ¿Qué diablos pasa aquí? (1974), Toda la noche (1981) y Loca (1987).

Cuando a finales de los años setenta se dio cuenta de que su carrera cinematográfica no se acercaba ni remotamente a la musical, empezó a acariciar la idea de dirigir. Su primer proyecto, que iba a titular The Woman, nunca se llevó a cabo. Pero tres años después, en 1983, se embarcó en un musical que protagonizó, dirigió y coprodujo: Yentl, la historia de una chica judía que ha de hacerse pasar por un hombre para poder estudiar el Talmud. La experiencia, que puso en pie a miles de fans protestando por no haber obtenido ninguna nominación, la hizo repetir en 1991, esta vez sin canciones, con El príncipe de las mareas, que también protagonizó. En El amor tiene dos caras (1995), junto a Jeff Bridges, rescató a una magnífica Lauren Bacall, que consiguió una nominación como mejor actriz secundaria, aunque no la estatuilla. Posteriormente produjo para la televisión Rescuers-Storys of Courage-Two Women (1997) y The Long Island Incident (1998), y para el cine el documental City at Peace (1998), de S. Koch.

Conflictiva pero irresistible, segura de su capacidad, brillante y tenaz, Barbra Streisand guarda en su biografía multitud de anécdotas: el perfil que nunca quiso retocarse, el nombre falso (Angelina Scarangella) con el que actuaba en locales gays o el hecho de que Omar Sharif se encontrara en la lista negra de los árabes por haber besado a una judía en Funny Girl. Aun habiendo ya pasado sus años más gloriosos, Barbra Streisand siguió siendo todo un personaje y cosechando éxitos y simpatías.

Celine Dion

(Charlemagne, Quebec, 1968) Cantante franco-canadiense de música pop. Se estrenó en los escenarios cuando contaba cinco años, interpretando canciones tradicionales canadienses, y a los doce grabó su primera maqueta. Su presentación fue La voix du bon Dieu, en 1981, año en que apareció también otro trabajo con canciones navideñas. Durante los años ochenta publicó varios discos en francés, y en 1988 ganó el Festival de Eurovisión representando a Francia.

1990 fue el año de edición de su primer álbum en inglés, Unison, que contenía los sencillos "(If there was) any other way" y "Where does my heart beat now". Dos años más tarde publicó el álbum Celine Dion, que incluía el tema principal (ganador de un Oscar y un Grammy) de la película La Bella y la Bestia, una de las más exitosas producciones del imperio de Walt Disney en la que Celine cantó a dúo con el vocalista estadounidense Peabo Bryson.

Celine Dion

Pese a su triunfo en el mercado anglosajón, no olvidó a su público francófono, y grabó un disco con diez canciones del compositor canadiense Luc Plamondon, entre las que se incluían "Un garçon pas comme les autres (Ziggy)" o "Des mots qui sonnent". Los conciertos que ofreció en Francia durante aquellos años dieron como resultado dos discos en directo: Celine Dion a Olympia, de 1994, y Live a Paris, grabado a finales de 1995.

El 17 de diciembre de 1994 se casó con su descubridor y manager, René Angélil, veintiséis años mayor que ella. Ese mismo año había aparecido su tercer disco en inglés, The colour of my love, que contenía una versión de la canción "The power of love" (que ya había convertido en éxito la cantante Jennifer Rush en los años ochenta) y otra de "When I fall in love", que formó parte de la banda sonora de la película Algo para recordar.

En 1995 volvió a publicar un álbum en francés, Déux o The French Album. En este disco se incluyeron canciones como "Pour que tu m'aimes encore" o "Regarde-moi", compuestas por el cantautor Jean-Jacques Goldman. Ese mismo año participó en el disco homenaje a la cantautora Carole King, Tapestry Revisited, interpretando el tema "(You make me feel like) a natural woman".

En 1996 publicó Falling into You, recibió el Grammy a la Mejor Cantante Pop Femenina y actuó en el acto inaugural de los Juegos Olímpicos de Atlanta. En 1998 el tema central de la película de James Cameron Titanic fue su éxito "My heart will go on", ganadora de un Oscar ese año y de cuatro premios Grammy en 1999, dos de ellos para la intérprete.

La canción se incluyó en el álbum de Celine Dion Let´s talk about love, en el que participaron Barbra Streisand, en la canción "Tell him"; Luciano Pavarotti en "I hate you then I love you"; los Bee Gees en "Immortality"; y Bryan Adams en la canción que daba título al álbum. Ese mismo año participó junto a Aretha Franklin, Mariah Carey y Gloria Estefan en el concierto "Divas Live".

Un dato que suele pasar desapercibido en la carrera de Celine Dion es que el primer letrista de King Crimson, Pete Sinfield, le ha escrito algunos de sus mas bellos textos. Las letras de Sinfield para Celine, sin ser tan poéticas como las que escribió para el grupo de Robert Fripp, alcanzan una altura muy superior a la media dentro de las canciones pop masivas. En el verano de 1999, el marido de Celine Dion cayó enfermo y eso llevó a la estrella a anunciar su retirada de los escenarios, justo en pleno éxito apoteósico de la canción principal de Titanic.

Tras un largo paréntesis alejada de los escenarios y de la industria discográfica, la cantante francocanadiense regresó en marzo de 2003 para presentar sus nuevos proyectos; por un lado, el lanzamiento del álbum One heart y, por otro, la puesta en marcha de un ambicioso espectáculo, producido por Franco Dragone, que programaba para un periodo de tres años seiscientas actuaciones de la artista en el célebre Caesar's Palas de Las Vegas.