Ray Charles

(Ray Charles Robinson; Albany, 1932 - Los Ángeles, 2004) Cantante, instrumentista y compositor estadounidense, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. Es difícil catalogar sus cientos de grabaciones, quizá por el eclecticismo que siempre le caracterizó. Durante su larga carrera fue galardonado con doce premios Grammy.

Ciego desde los siete años, Ray Charles aprendió a leer y componer música en el sistema Braille. Estudió en Florida, en un Instituto de San Agustín, y desde muy niño participó en distintos eventos musicales. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en Seattle, en 1948, un trío llamado McSon Trio (también conocido como Maxim Trio). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues y acaso su mejor revulsivo, con quien inició una serie de giras por el país. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.

Su trayectoria discográfica se inició en 1953, cuando fue contratado por el agente Ahmet Ertegun, que le introdujo en la compañía Atlantic Records. A partir de entonces Ray Charles sería conocido como una de las figuras señeras e imprescindibles del rhythm & blues. Vivió sucesivamente en diversas ciudades (Nueva Orleans, Texas) y, tras unirse a Ruth Brown, formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll.

Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos como Hallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxos como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.

Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.

Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personalísimo y eficaz, influido en primera instancia por Louis Jordan, Charles Brown y el inefable Nat King Cole, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll, sin olvidar sus guiños al jazz (por ejemplo, en su colaboración con Benny Carter) u otros estilos tales como el country, la opereta, el gospel o el pop.

Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura trajeada se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. Su voz rota, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otros, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, constituyó una de sus mejores dotes, y puede parangonarse con las de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith. Colaboró también con Frank Sinatra o Ella Fitzgerald, así como con Stevie Wonder.

Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más características de Ray Charles al piano. Tocaba también, aunque muy anecdóticamente, el saxo. Su inmensa popularidad lo llevó a incursionar en el cine: algunas de sus películas fueron Swingin’ alone, de Charles Barton (1960), o Ballad in blue, de Paul Henried (1964). En 1978 publicó su autobiografía, Brother Ray.

Una enfermedad hepática, que arrastró durante mucho tiempo, no le impidió, pocas semanas antes de su muerte, celebrar su concierto número 10.000 en el Teatro Griego de Los Ángeles, todo un hito en el mundo de la música. Su funeral, al que acudieron 1.500 personas dentro del recinto religioso y cientos de admiradores en el exterior, contó con las sentidas aportaciones musicales de otras leyendas de la música, como B.B. King, Steve Gander o Willie Nelson. La última grabación que hizo en vida, un disco de duetos titulado Genius loves company (en el que participaron entre otros Norah Jones, Van Morrison y B.B. King) fue un auténtico éxito de ventas que se colocó en el número 2 de las listas de los más vendidos de Estados Unidos. En febrero de 2005, el disco fue galardonado con ocho premios Grammy en la 47ª edición de este certamen, entre ellos el de mejor álbum, al que hay que añadir el dúo que formó con la cantante Norah Jones, que fue merecedor de otro premio a la mejor grabación del año. En enero de 2005 se estrenó un largometraje sobre su vida titulado Ray, dirigido por Taylor Hackford e interpretado por Jamie Foxx, quien ganaría por su papel el Oscar al mejor actor.

Sting

(Gordon Matthew Summer; Wallsend, 1951) Cantante y compositor británico. Es muy difícil encasillar en un solo campo a Sting; su naturaleza inquieta le llevó a transitar por diversos géneros musicales y por actividades que abarcan desde la composición de bandas sonoras hasta sus trabajos como actor cinematográfico. Empezó tocando jazz; fue luego la pieza esencial de The Police, acaso el mejor grupo del momento, para el que cantó y compuso éxitos como Message in a bottle, Don't stand so close to me o la balada Every breath you take. Actuó además en diferentes películas (sin cantar) y se lanzó después a una carrera en solitario en la que se hizo acompañar de músicos de jazz que a la vez tuviesen afinidad con la música pop, y de la que surgieron temas tan brillantes como Nothing like the sun o English man in New York.

Criado en el seno de una familia humilde (era hijo de un lechero y una peluquera), desde su infancia compaginó la escuela con su afición por la música, particularmente por el jazz. Finalizados sus estudios de Magisterio, trabajó como profesor de primaria y secundaria en varios colegios católicos. Mientras tanto, por las noches, Sting era ya un fervoroso bajista que tocaba en varios combos de jazz locales. En 1973 formó su propia banda, Last Exit. El grupo se trasladó a Londres y consiguió varios contratos como telonero; Sting empezó a recibir de la casa discográfica Virgin varios encargos como compositor. En mayo de 1976 contrajo matrimonio con la actriz Frances Tomelty, con la que tuvo tres hijos.

Sting saltó a la fama gracias al grupo musical The Police. Creado en 1977, sus integrantes iniciales fueron el propio Sting (cantante y bajista), Steward Copeland, Andy Summers y Henri Padovani, aunque este último abandonó pronto la formación. Desde sus comienzos, el trío apareció ante el público y la crítica como toda una revelación dentro del panorama musical del momento. Su calidad interpretativa les sirvió para convertirse en uno de las más destacados grupos de los ochenta. Sting, que sumaba a sus dotes de músico y vocalista sus aptitudes para composición, se confirmó como el alma del grupo.

Con The Police grabó los álbumes Outlandos d'amour (1978), Zenyatta mondatta (1980), Ghost in the machine (1981) y Synchronicity (1983). A Sting se debe la composición de los temas más exitosos e inolvidables del grupo: Roxanne, Message in a bottle o Every breath you take. Ese año, tras haber alcanzado en una corta carrera musical la cumbre del éxito, The Police se disolvió sin que se hubiesen revelado manifestaciones de discordia entre sus componentes. Con carácter excepcional, el trío se reunió de nuevo en 1986 para colaborar en una gira en favor de Amnistía Internacional.

A partir de su separación de la banda, Sting comenzó su carrera en solitario, en la que cosecharía nuevos éxitos. En 1985 apareció su primer álbum, The dream of the blue turtles. A éste le siguió en 1986 un doble en directo, Bring on the night. En 1987 se editó Nothing like the sun, uno de sus álbumes más aclamados, y, tres años más tarde, se publicó The soul cages, que fue galardonado con un Grammy. Al mismo tiempo emprendió una intensa labor de concienciación sobre problemas medioambientales, incorporándose en 1990 a las campañas contra la destrucción de la selva amazónica.

Posteriormente presentó Ten summer's tales (1993), When we dance (1994), Mercury falling (1996), Brand New Day (1999), All this time (2001), un disco recopilatorio grabado en directo, y Sacred love (2003). El sencillo If I ever lose my faith in You, de Ten summer's tales, obtuvo un premio Grammy en 1994, y el tema Until, de la película Kate & Leopold (2001) mereció el Globo de Oro a la mejor canción original. En 2006 dio un giro inesperado a su carrera y publicó Songs from the labyrinth, donde interpreta al laúd piezas del compositor isabelino británico John Dowland.

Además de sus discos en solitario, participó en trabajos colectivos como The secret policeman's concert (1982) o Lost in the stars (1986), y en la música de las bandas sonoras de Party, party (1982) y Brimstone Treacle (1982). Como actor participó en las películas Quadrophenia (1978), Radio on (1979), Brismstone Treacle (1982), Dune (1984), The bride (1985) y Julia, Julia (1987). En abril de 2004 publicó el libro Broken music, la primera parte de una autobiografía en la que relató su vida hasta la ruptura con The Police.

Bruce Springsteen

(Bruce Frederick Joseph Springsteen; Freehold, New Jersey, 1949) Músico y cantante de rock estadounidense. La intensidad de sus grabaciones y conciertos con la E Street Band lo convirtieron en uno de los artistas más carismáticos del mundo del rock. Un primer éxito de público y crítica fue el álbum Born to run (1975), aunque fue en los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos gracias a su disco Born in the USA. (1985). A partir de 1991 buscó un camino más acústico e intimista a imagen de Bob Dylan, por quien el cantante siente gran admiración, que se refleja en discos como Human touch (1992), Lucky town (1997) o Devils & Dust (2005).

Se cuenta que a los nueve años, después de ver a Elvis Presley en la televisión, el pequeño Bruce intentó tocar su primera guitarra. The Boss (el jefe), apodo que él rechaza, creció en Nueva Jersey, en un ambiente de clase trabajadora. Esto se reflejó sobre todo en sus primeras canciones, en las que habla del trabajo, los coches, las motos y las chicas. Gracias a temas tan cercanos, a sus letras simples y emotivas y a su lenguaje coloquial, Springsteen conectó con un amplio público. A pesar de su imagen directamente asociada al rock and roll (cuero, vaqueros y camiseta), mezcló musicalmente el rock con elementos del pop, del rhythm and blues y del swing. No grabaría su primer disco (Greetings from Asbury Park, N.J.) hasta 1973.

La explosión mundial del fenómeno Bruce Springsteen tuvo lugar en 1975. El cantante estadounidense presentó junto con su grupo, la E Street Band, su álbum Born to run, trabajo que recibió excelentes críticas con su primera gira nacional y por el que fue considerado el mayor descubrimiento musical de los años setenta. Springsteen se convirtió en la primera estrella del rock que aparecía en la portada de las prestigiosas revistas estadounidenses Newsweek y Time. Cuando el productor y crítico Jon Landau escribió "He visto el futuro del rock and roll: se llama Bruce Springsteen", ni siquiera él mismo sabía lo acertadas que resultarían sus palabras. Springsteen no iba a ser sólo un nuevo Bob Dylan, como se le etiquetó entonces, sino una nueva estrella con su propio estilo. La profusión de sus actuaciones en directo (en giras de más de 100 conciertos de cuatro horas) no iba en detrimento de su espectacularidad, gracias a la inagotable energía del cantante y a la entusiasta participación del público.

La carrera de Springsteen se vio temporalmente interrumpida por culpa de un conflicto legal con su manager Mike Apel, que sería sustituido por Jon Landau. Sus siguientes grabaciones, Darkness on the Edge of Town (1978), The River (1980) y Nebraska (1982), serán más realistas y reflexivas, reforzando su imagen como escritor. Los héroes de sus canciones son ahora perdedores cargados de amargura y frustraciones, reflejo del mundo de su infancia familiar. The River es un doble álbum clásico dentro de su discografía y el más representativo de una etapa en la que la mayoría de sus temas abordan, en clave crítica, los problemas sociales de su país, que pese a su potencial económico mantiene amplios núcleos de población marginada. Durante esos años representó el rock más apegado a sus raíces, frente al de Freddie Mercury y Queen, más comercial y abierto a otras corrientes, o al pop de Michael Jackson.

Portada de Born to run (1975)

Pero Springsteen se vería aún elevado a la categoría de superestrella con su álbum Born in the USA (1984), del que se vendieron 15 millones de copias, superando en las listas a todos sus álbumes anteriores. Su influencia llegó hasta el punto de que ese mismo año ambos candidatos a la presidencia de los Estados Unidos, Ronald Reagan y Walter Mondale, emplearon sus canciones, identificándose con él, a pesar de los intentos de Springsteen por desentenderse de la contienda electoral. No obstante, el cantante dio su apoyo a proyectos sociales y políticos, como lo muestra su participación en la grabación de We are the World en 1985, o la gira de Amnistía Internacional junto a Sting y Peter Gabriel en 1988.

Posteriormente lanzó Live 1975-85, una recopilación en tres CD de actuaciones en directo a lo largo de diez años. En 1987, Tunnel of Love alcanzó el número uno de las listas el primer día. En 1992, tras la separación de la E Street Band, grabó simultáneamente Human touch y Lucky town. Ese mismo año obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción Streets of Philadelphia, incluida en la banda sonora de la película Philadelphia (1992), dirigida por Jonathan Demme e interpretada por Tom Hanks y Denzel Washington. En general, en los noventa sus trabajos mantuvieron el mismo nivel de expectación de siempre y unas cifras de ventas similares en su país, aunque los cambios de preferencias musicales de la década le restaron parte de su protagonismo. Su álbum de 1995, The ghost of Tom Joad, remite a un Bruce Springsteen muy parecido a aquél que editara Nebraska en 1982.

En 1999 volvió a unirse a la E Street Band en una larga gira que finalizó en 2000 en Nueva York. Dos años después, Springsteen grabó con el grupo el nuevo y esperadísimo álbum The rising, un trabajo en homenaje a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001 con catorce temas inéditos y una nueva versión de My city of ruins. Promocionado en una gira mundial, el disco conquistó tres premios Grammy. Ya en 2005, Springsteen presentó un nuevo álbum, Devils & Dust, en el que parecía recuperar su faceta de cantautor en un disco donde predominan los aires acústicos y folk. El trabajo mereció en 2006 un Grammy a la mejor interpretación de rock en solitario. Ese mismo año salió a la venta el disco We shall overvcome: the Seeger sessions, en el que ahonda más en su toma de conciencia social, amparado en este caso en la forma de un homenaje a Pete Seeger y a la tradición folk estadounidense.

Neil Young

(Toronto, 1945) Cantautor canadiense. Es una verdadera leyenda del Rock aún en plena vigencia, después de haber editado más de una veintena de álbumes en solitario.

discográfico creado por Frank Sinatra- su primer álbum en solitario en 1968, en el que Folk-Rock, Rock y Country se mezclan de la forma peculiar y característica del estilo de Neil Young.

Al año siguiente se hizo acompañar por Crazy Horse -en adelante la banda habitual en casi todos sus proyectos- para su segundo elepé, Everybody Knows This Is Nowhere, y se integró en Crosby, Stills, Nash & Young, en una primera unión que durará un par de años. Su siguiente álbum en solitario llevó el título de After The Gold Rush, de 1970, en el que se incluía el magnífico Only Love Can Break Your Heart y que contaba con la presencia del guitarrista Nils Lofgren (1953), que acompañaría a Young hasta 1982.

Neil Young en concierto

Harvest, de 1972, fue su mejor éxito comercial y, para muchos, su obra más completa. El tema Heart Of Gold llegó al número uno en las listas americanas. En 1975 edita Tonight's The Night, un elepé más denso, pesimista y poderoso que los anteriores -con claras referencias a la pérdida de la inocencia tras la ruptura del sueño hippy-.

Siguió editando en esta línea hasta Rust Never Sleep, trabajo en el que se deja ver que Neil Young no es en absoluto un viejo dinosaurio del Rock, adaptando esas frescas oleadas del revolucionario Punk que provenían del otro lado del Atlántico; Powderfinger, tema incluido en ese álbum, es buena prueba de ello. Una de las grandes virtudes de Neil Young ha sido siempre la de no quedarse estancado en un estilo o en una época, al contrario de lo ocurrido a la mayoría de sus compañeros de generación.

Ya entrados los ochenta, concretamente en 1983, edita Trans, registro realizado con amplia experimentación con vocoders y sintetizadores (aunque sin gran respuesta comercial), al que le siguió un álbum más clásico, Everybody's Rockin', con versiones de temas grabados por primera vez por Elvis, Buddy Holly o Johnny Cash, y para felicidad a su legión de fieles, Old Ways, de 1985, un glorioso regreso al Country de sus orígenes.

En 1987, vuelve a reunirse con Crazy Horse, para editar Life, y 1988 marca la salida de American Dream, el primer álbum de Crosby, Stills, Nash & Young desde 1971, para despedirse de la década con el excelente Freedom, con toda la contundencia del rocker más electrificado.

Neil Young, con toda su veteranía a sus espaldas, continuó plenamente activo en los noventa, alternando grabaciones de predominio de los sonidos Folk y acústicos (Harvest Moon, un vinilo que es casi la segunda parte del mítico Harvest de 1972, editado dos décadas después) con otras en las que su afilada guitarra se pone al servicio del Rock de los noventa, tal y como suena en sus actuaciones en directo (entrando, por ejemplo en una jam session en vivo con los Pearl Jam, material recogido en una edición discográfica conjunta).

Bob Dylan

(Robert Allen Zimmerman; Duluth, Estados Unidos, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock, una de las grandes figuras de la música contemporánea, cuya producción musical lo erigió en un referente entre los cantautores. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se hizo popular.

En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk.

Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged (1995). Algunos de sus álbumes más destacados son The freewheelin' Bob Dylan (1963), Blood on the tracks (1975) y Oh mercy (1989), mientras que Love and theft (2001) y Modern times (2006) figuran entre sus últimos discos. Nominado en varias ocasiones para el premio Nobel de Literatura, recibió el preciado galardón en 2016.

Biografía

Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) el 24 de mayo de 1941. Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción protesta. Frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando.

Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico, en homenaje al poeta americano Dylan Thomas. Bob Dylan abandonó definitivamente los estudios universitarios y, decidido a dedicarse por completo a la música, en 1961 se trasladó a Nueva York. Allí empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos.

Con sus guitarras, banjos, tambores y armónicas, los cantantes folk de los años sesenta iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el comercialismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.

Joan Baez y Bob Dylan (1963)

Una elogiosa crítica aparecida en The New York Times le abrió las puertas del mercado discográfico: la discográfica Columbia Records le ofreció grabar su primer disco, titulado Bob Dylan (1962). En este primer vinilo alternó canciones del repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios. Bob Dylan fue bien recibido por la crítica y el público y ya mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla de las distintas tradiciones musicales populares americanas (especialmente el folk de origen europeo y el blues afroamericano) y gran importancia de las letras de las canciones.

En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan, The Freewheelin’ Bob Dylan, que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca Blowin’ In The Wind, convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: The Times They Are A-Changin’; es decir, Los tiempos están cambiando.

La imagen de Dylan como cantautor comprometido y figura importante de la canción protesta cambió con su siguiente disco, aparecido en 1965 y titulado Highway 61 Revisited, que incluye el tema Like a Rolling Stone. Esta canción, un auténtico exponente de genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero, aunque no dejara de conceder gran importancia a las letras. En el Festival de Folk de Newport, ante la sorpresa y disgusto del público, actuó acompañado por una guitarra eléctrica y amplificadores: no volvería a ser invitado. Lo que estaba haciendo Dylan era revolucionar la idea de música folk, ampliando sus posibilidades. El 1 de junio de 1966 conquistó Europa desde el Olympia de París. El 29 de julio de este mismo año sufrió un accidente de moto, tras el cual desapareció de la vida pública durante dos años.

Bob Dylan en 1976

En 1970 se estrenó la película El precio del fracaso, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan, Pat Garret y Billy The Kid, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel. En 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado El último vals. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales. El concierto tuvo lugar el Día de Acción de Gracias en Winterland, San Francisco, y en él participaron, además de Dylan y The Band, músicos notables como Eric Clapton, Neil Young y el batería de The Beatles Ringo Starr, entre otros.

Las canciones de Dylan de la década de 1980 responden, en su mayoría, a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. No vivía entonces su momento de mayor popularidad, aunque los veinticinco años de carrera musical no pasaron por alto ni a su discográfica ni al público. Así, en 1985 apareció un quíntuple álbum antológico, Biograph, que contenía versiones inéditas de algunas de sus canciones.

Dylan fue durante años un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El gran poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio, y la primera vez lo hizo a instancias de Ginsberg, fallecido en 1997.

A lo largo de su carrera ha recibido premios como el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys, dirigida por Curtis Hanson. En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.

En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas, de Tery Gilliam (1998), y Anónimos, de Larry Charles (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Pero también su vida y su obra han interesado a directores de cine importantes, como Martin Scorsese, que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There, dirigido por Todd Haynes. El filme, que contaba con el beneplácito del artista, fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2007.

Si algo le faltaba a Bob Dylan para acabar de forjar su leyenda, era la publicación de su autobiografía. Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. Entre los candidatos figuraban el compositor Andrew Lloyd Weber, los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, así como la pianista Maria João Pires. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.

El cantautor fue uno de los grandes ausentes en la ceremonia de entrega de los premios, el 26 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo. Envió, sin embargo, un escueto mensaje en el que agradecía la concesión del galardón. Ese mismo mes se publicaba una retrospectiva de su obra en tres discos compactos que recogían más de cuarenta años dedicados a la música. Pocos días antes Dylan había asistido, en una sinagoga de Atlanta, a la celebración del Yom Kippur, el Día del Perdón. Allí rezó y mostró públicamente su retorno al judaísmo de sus orígenes familiares.