Sting

(Gordon Matthew Summer; Wallsend, 1951) Cantante y compositor británico. Es muy difícil encasillar en un solo campo a Sting; su naturaleza inquieta le llevó a transitar por diversos géneros musicales y por actividades que abarcan desde la composición de bandas sonoras hasta sus trabajos como actor cinematográfico. Empezó tocando jazz; fue luego la pieza esencial de The Police, acaso el mejor grupo del momento, para el que cantó y compuso éxitos como Message in a bottle, Don't stand so close to me o la balada Every breath you take. Actuó además en diferentes películas (sin cantar) y se lanzó después a una carrera en solitario en la que se hizo acompañar de músicos de jazz que a la vez tuviesen afinidad con la música pop, y de la que surgieron temas tan brillantes como Nothing like the sun o English man in New York.

Criado en el seno de una familia humilde (era hijo de un lechero y una peluquera), desde su infancia compaginó la escuela con su afición por la música, particularmente por el jazz. Finalizados sus estudios de Magisterio, trabajó como profesor de primaria y secundaria en varios colegios católicos. Mientras tanto, por las noches, Sting era ya un fervoroso bajista que tocaba en varios combos de jazz locales. En 1973 formó su propia banda, Last Exit. El grupo se trasladó a Londres y consiguió varios contratos como telonero; Sting empezó a recibir de la casa discográfica Virgin varios encargos como compositor. En mayo de 1976 contrajo matrimonio con la actriz Frances Tomelty, con la que tuvo tres hijos.

Sting saltó a la fama gracias al grupo musical The Police. Creado en 1977, sus integrantes iniciales fueron el propio Sting (cantante y bajista), Steward Copeland, Andy Summers y Henri Padovani, aunque este último abandonó pronto la formación. Desde sus comienzos, el trío apareció ante el público y la crítica como toda una revelación dentro del panorama musical del momento. Su calidad interpretativa les sirvió para convertirse en uno de las más destacados grupos de los ochenta. Sting, que sumaba a sus dotes de músico y vocalista sus aptitudes para composición, se confirmó como el alma del grupo.

Con The Police grabó los álbumes Outlandos d'amour (1978), Zenyatta mondatta (1980), Ghost in the machine (1981) y Synchronicity (1983). A Sting se debe la composición de los temas más exitosos e inolvidables del grupo: Roxanne, Message in a bottle o Every breath you take. Ese año, tras haber alcanzado en una corta carrera musical la cumbre del éxito, The Police se disolvió sin que se hubiesen revelado manifestaciones de discordia entre sus componentes. Con carácter excepcional, el trío se reunió de nuevo en 1986 para colaborar en una gira en favor de Amnistía Internacional.

A partir de su separación de la banda, Sting comenzó su carrera en solitario, en la que cosecharía nuevos éxitos. En 1985 apareció su primer álbum, The dream of the blue turtles. A éste le siguió en 1986 un doble en directo, Bring on the night. En 1987 se editó Nothing like the sun, uno de sus álbumes más aclamados, y, tres años más tarde, se publicó The soul cages, que fue galardonado con un Grammy. Al mismo tiempo emprendió una intensa labor de concienciación sobre problemas medioambientales, incorporándose en 1990 a las campañas contra la destrucción de la selva amazónica.

Posteriormente presentó Ten summer's tales (1993), When we dance (1994), Mercury falling (1996), Brand New Day (1999), All this time (2001), un disco recopilatorio grabado en directo, y Sacred love (2003). El sencillo If I ever lose my faith in You, de Ten summer's tales, obtuvo un premio Grammy en 1994, y el tema Until, de la película Kate & Leopold (2001) mereció el Globo de Oro a la mejor canción original. En 2006 dio un giro inesperado a su carrera y publicó Songs from the labyrinth, donde interpreta al laúd piezas del compositor isabelino británico John Dowland.

Además de sus discos en solitario, participó en trabajos colectivos como The secret policeman's concert (1982) o Lost in the stars (1986), y en la música de las bandas sonoras de Party, party (1982) y Brimstone Treacle (1982). Como actor participó en las películas Quadrophenia (1978), Radio on (1979), Brismstone Treacle (1982), Dune (1984), The bride (1985) y Julia, Julia (1987). En abril de 2004 publicó el libro Broken music, la primera parte de una autobiografía en la que relató su vida hasta la ruptura con The Police.

Bruce Springsteen

(Bruce Frederick Joseph Springsteen; Freehold, New Jersey, 1949) Músico y cantante de rock estadounidense. La intensidad de sus grabaciones y conciertos con la E Street Band lo convirtieron en uno de los artistas más carismáticos del mundo del rock. Un primer éxito de público y crítica fue el álbum Born to run (1975), aunque fue en los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos gracias a su disco Born in the USA. (1985). A partir de 1991 buscó un camino más acústico e intimista a imagen de Bob Dylan, por quien el cantante siente gran admiración, que se refleja en discos como Human touch (1992), Lucky town (1997) o Devils & Dust (2005).

Se cuenta que a los nueve años, después de ver a Elvis Presley en la televisión, el pequeño Bruce intentó tocar su primera guitarra. The Boss (el jefe), apodo que él rechaza, creció en Nueva Jersey, en un ambiente de clase trabajadora. Esto se reflejó sobre todo en sus primeras canciones, en las que habla del trabajo, los coches, las motos y las chicas. Gracias a temas tan cercanos, a sus letras simples y emotivas y a su lenguaje coloquial, Springsteen conectó con un amplio público. A pesar de su imagen directamente asociada al rock and roll (cuero, vaqueros y camiseta), mezcló musicalmente el rock con elementos del pop, del rhythm and blues y del swing. No grabaría su primer disco (Greetings from Asbury Park, N.J.) hasta 1973.

La explosión mundial del fenómeno Bruce Springsteen tuvo lugar en 1975. El cantante estadounidense presentó junto con su grupo, la E Street Band, su álbum Born to run, trabajo que recibió excelentes críticas con su primera gira nacional y por el que fue considerado el mayor descubrimiento musical de los años setenta. Springsteen se convirtió en la primera estrella del rock que aparecía en la portada de las prestigiosas revistas estadounidenses Newsweek y Time. Cuando el productor y crítico Jon Landau escribió "He visto el futuro del rock and roll: se llama Bruce Springsteen", ni siquiera él mismo sabía lo acertadas que resultarían sus palabras. Springsteen no iba a ser sólo un nuevo Bob Dylan, como se le etiquetó entonces, sino una nueva estrella con su propio estilo. La profusión de sus actuaciones en directo (en giras de más de 100 conciertos de cuatro horas) no iba en detrimento de su espectacularidad, gracias a la inagotable energía del cantante y a la entusiasta participación del público.

La carrera de Springsteen se vio temporalmente interrumpida por culpa de un conflicto legal con su manager Mike Apel, que sería sustituido por Jon Landau. Sus siguientes grabaciones, Darkness on the Edge of Town (1978), The River (1980) y Nebraska (1982), serán más realistas y reflexivas, reforzando su imagen como escritor. Los héroes de sus canciones son ahora perdedores cargados de amargura y frustraciones, reflejo del mundo de su infancia familiar. The River es un doble álbum clásico dentro de su discografía y el más representativo de una etapa en la que la mayoría de sus temas abordan, en clave crítica, los problemas sociales de su país, que pese a su potencial económico mantiene amplios núcleos de población marginada. Durante esos años representó el rock más apegado a sus raíces, frente al de Freddie Mercury y Queen, más comercial y abierto a otras corrientes, o al pop de Michael Jackson.

Portada de Born to run (1975)

Pero Springsteen se vería aún elevado a la categoría de superestrella con su álbum Born in the USA (1984), del que se vendieron 15 millones de copias, superando en las listas a todos sus álbumes anteriores. Su influencia llegó hasta el punto de que ese mismo año ambos candidatos a la presidencia de los Estados Unidos, Ronald Reagan y Walter Mondale, emplearon sus canciones, identificándose con él, a pesar de los intentos de Springsteen por desentenderse de la contienda electoral. No obstante, el cantante dio su apoyo a proyectos sociales y políticos, como lo muestra su participación en la grabación de We are the World en 1985, o la gira de Amnistía Internacional junto a Sting y Peter Gabriel en 1988.

Posteriormente lanzó Live 1975-85, una recopilación en tres CD de actuaciones en directo a lo largo de diez años. En 1987, Tunnel of Love alcanzó el número uno de las listas el primer día. En 1992, tras la separación de la E Street Band, grabó simultáneamente Human touch y Lucky town. Ese mismo año obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción Streets of Philadelphia, incluida en la banda sonora de la película Philadelphia (1992), dirigida por Jonathan Demme e interpretada por Tom Hanks y Denzel Washington. En general, en los noventa sus trabajos mantuvieron el mismo nivel de expectación de siempre y unas cifras de ventas similares en su país, aunque los cambios de preferencias musicales de la década le restaron parte de su protagonismo. Su álbum de 1995, The ghost of Tom Joad, remite a un Bruce Springsteen muy parecido a aquél que editara Nebraska en 1982.

En 1999 volvió a unirse a la E Street Band en una larga gira que finalizó en 2000 en Nueva York. Dos años después, Springsteen grabó con el grupo el nuevo y esperadísimo álbum The rising, un trabajo en homenaje a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001 con catorce temas inéditos y una nueva versión de My city of ruins. Promocionado en una gira mundial, el disco conquistó tres premios Grammy. Ya en 2005, Springsteen presentó un nuevo álbum, Devils & Dust, en el que parecía recuperar su faceta de cantautor en un disco donde predominan los aires acústicos y folk. El trabajo mereció en 2006 un Grammy a la mejor interpretación de rock en solitario. Ese mismo año salió a la venta el disco We shall overvcome: the Seeger sessions, en el que ahonda más en su toma de conciencia social, amparado en este caso en la forma de un homenaje a Pete Seeger y a la tradición folk estadounidense.

Neil Young

(Toronto, 1945) Cantautor canadiense. Es una verdadera leyenda del Rock aún en plena vigencia, después de haber editado más de una veintena de álbumes en solitario.

discográfico creado por Frank Sinatra- su primer álbum en solitario en 1968, en el que Folk-Rock, Rock y Country se mezclan de la forma peculiar y característica del estilo de Neil Young.

Al año siguiente se hizo acompañar por Crazy Horse -en adelante la banda habitual en casi todos sus proyectos- para su segundo elepé, Everybody Knows This Is Nowhere, y se integró en Crosby, Stills, Nash & Young, en una primera unión que durará un par de años. Su siguiente álbum en solitario llevó el título de After The Gold Rush, de 1970, en el que se incluía el magnífico Only Love Can Break Your Heart y que contaba con la presencia del guitarrista Nils Lofgren (1953), que acompañaría a Young hasta 1982.

Neil Young en concierto

Harvest, de 1972, fue su mejor éxito comercial y, para muchos, su obra más completa. El tema Heart Of Gold llegó al número uno en las listas americanas. En 1975 edita Tonight's The Night, un elepé más denso, pesimista y poderoso que los anteriores -con claras referencias a la pérdida de la inocencia tras la ruptura del sueño hippy-.

Siguió editando en esta línea hasta Rust Never Sleep, trabajo en el que se deja ver que Neil Young no es en absoluto un viejo dinosaurio del Rock, adaptando esas frescas oleadas del revolucionario Punk que provenían del otro lado del Atlántico; Powderfinger, tema incluido en ese álbum, es buena prueba de ello. Una de las grandes virtudes de Neil Young ha sido siempre la de no quedarse estancado en un estilo o en una época, al contrario de lo ocurrido a la mayoría de sus compañeros de generación.

Ya entrados los ochenta, concretamente en 1983, edita Trans, registro realizado con amplia experimentación con vocoders y sintetizadores (aunque sin gran respuesta comercial), al que le siguió un álbum más clásico, Everybody's Rockin', con versiones de temas grabados por primera vez por Elvis, Buddy Holly o Johnny Cash, y para felicidad a su legión de fieles, Old Ways, de 1985, un glorioso regreso al Country de sus orígenes.

En 1987, vuelve a reunirse con Crazy Horse, para editar Life, y 1988 marca la salida de American Dream, el primer álbum de Crosby, Stills, Nash & Young desde 1971, para despedirse de la década con el excelente Freedom, con toda la contundencia del rocker más electrificado.

Neil Young, con toda su veteranía a sus espaldas, continuó plenamente activo en los noventa, alternando grabaciones de predominio de los sonidos Folk y acústicos (Harvest Moon, un vinilo que es casi la segunda parte del mítico Harvest de 1972, editado dos décadas después) con otras en las que su afilada guitarra se pone al servicio del Rock de los noventa, tal y como suena en sus actuaciones en directo (entrando, por ejemplo en una jam session en vivo con los Pearl Jam, material recogido en una edición discográfica conjunta).

Bob Dylan

(Robert Allen Zimmerman; Duluth, Estados Unidos, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock, una de las grandes figuras de la música contemporánea, cuya producción musical lo erigió en un referente entre los cantautores. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se hizo popular.

En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk.

Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged (1995). Algunos de sus álbumes más destacados son The freewheelin' Bob Dylan (1963), Blood on the tracks (1975) y Oh mercy (1989), mientras que Love and theft (2001) y Modern times (2006) figuran entre sus últimos discos. Nominado en varias ocasiones para el premio Nobel de Literatura, recibió el preciado galardón en 2016.

Biografía

Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) el 24 de mayo de 1941. Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción protesta. Frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando.

Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico, en homenaje al poeta americano Dylan Thomas. Bob Dylan abandonó definitivamente los estudios universitarios y, decidido a dedicarse por completo a la música, en 1961 se trasladó a Nueva York. Allí empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos.

Con sus guitarras, banjos, tambores y armónicas, los cantantes folk de los años sesenta iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el comercialismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.

Joan Baez y Bob Dylan (1963)

Una elogiosa crítica aparecida en The New York Times le abrió las puertas del mercado discográfico: la discográfica Columbia Records le ofreció grabar su primer disco, titulado Bob Dylan (1962). En este primer vinilo alternó canciones del repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios. Bob Dylan fue bien recibido por la crítica y el público y ya mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla de las distintas tradiciones musicales populares americanas (especialmente el folk de origen europeo y el blues afroamericano) y gran importancia de las letras de las canciones.

En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan, The Freewheelin’ Bob Dylan, que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca Blowin’ In The Wind, convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: The Times They Are A-Changin’; es decir, Los tiempos están cambiando.

La imagen de Dylan como cantautor comprometido y figura importante de la canción protesta cambió con su siguiente disco, aparecido en 1965 y titulado Highway 61 Revisited, que incluye el tema Like a Rolling Stone. Esta canción, un auténtico exponente de genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero, aunque no dejara de conceder gran importancia a las letras. En el Festival de Folk de Newport, ante la sorpresa y disgusto del público, actuó acompañado por una guitarra eléctrica y amplificadores: no volvería a ser invitado. Lo que estaba haciendo Dylan era revolucionar la idea de música folk, ampliando sus posibilidades. El 1 de junio de 1966 conquistó Europa desde el Olympia de París. El 29 de julio de este mismo año sufrió un accidente de moto, tras el cual desapareció de la vida pública durante dos años.

Bob Dylan en 1976

En 1970 se estrenó la película El precio del fracaso, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan, Pat Garret y Billy The Kid, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel. En 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado El último vals. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales. El concierto tuvo lugar el Día de Acción de Gracias en Winterland, San Francisco, y en él participaron, además de Dylan y The Band, músicos notables como Eric Clapton, Neil Young y el batería de The Beatles Ringo Starr, entre otros.

Las canciones de Dylan de la década de 1980 responden, en su mayoría, a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. No vivía entonces su momento de mayor popularidad, aunque los veinticinco años de carrera musical no pasaron por alto ni a su discográfica ni al público. Así, en 1985 apareció un quíntuple álbum antológico, Biograph, que contenía versiones inéditas de algunas de sus canciones.

Dylan fue durante años un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El gran poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio, y la primera vez lo hizo a instancias de Ginsberg, fallecido en 1997.

A lo largo de su carrera ha recibido premios como el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys, dirigida por Curtis Hanson. En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.

En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas, de Tery Gilliam (1998), y Anónimos, de Larry Charles (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Pero también su vida y su obra han interesado a directores de cine importantes, como Martin Scorsese, que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There, dirigido por Todd Haynes. El filme, que contaba con el beneplácito del artista, fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2007.

Si algo le faltaba a Bob Dylan para acabar de forjar su leyenda, era la publicación de su autobiografía. Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. Entre los candidatos figuraban el compositor Andrew Lloyd Weber, los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, así como la pianista Maria João Pires. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.

El cantautor fue uno de los grandes ausentes en la ceremonia de entrega de los premios, el 26 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo. Envió, sin embargo, un escueto mensaje en el que agradecía la concesión del galardón. Ese mismo mes se publicaba una retrospectiva de su obra en tres discos compactos que recogían más de cuarenta años dedicados a la música. Pocos días antes Dylan había asistido, en una sinagoga de Atlanta, a la celebración del Yom Kippur, el Día del Perdón. Allí rezó y mostró públicamente su retorno al judaísmo de sus orígenes familiares.

Tina Turner

(Annie Mae Bullock; Brownsville, 1938) Cantante estadounidense. Inició su carrera artística junto a su esposo Ike Turner, formando un famoso dúo de soul (River deep, mountain high, 1966; Proud Mary, 1970). Tras su separación en 1978, Tina continuó su carrera en solitario, cosechando brillantes éxitos gracias a la potencia y calidad de su voz. Discos como Let's stay together (1983), Private dancer (1984), Break every rule (1986), Foreign affair (1989), Wildest dreams (1996) y Soul kiss (1998), entre otros, merecerían numerosos premios Grammy; un justo reconocimiento a la labor de esta incansable reina del rock.

Annie Bullock era ya conocida con el nombre artístico de Little Ann antes de contraer matrimonio con Ike Turner, por entonces toda una figura de la música negra en la ciudad de St. Louis. A finales de los años 50 formaron el dúo Ike and Tina Turner, que desde 1959 hasta 1973 desarrollaría una exitosa carrera artística. Ya en 1959 lanzaron sus primeros temas, pero hasta 1961 ninguna de sus canciones logró entrar en listas nacionales.

Ese año tres de sus temas llegaron al top 100 y la crítica los elogió como el grupo de mayor potencial del momento. Las actuaciones mostraban a Ike como un magnífico conocedor de los gustos del público que había sabido evolucionar desde el blues de sus primeros tiempos y adaptarse perfectamente al R&B que exigían los nuevos. Por su parte, la imagen sexy de Tina Turner, la calidad de su voz y su absoluta entrega sobre el escenario complementaban a Ike en perfecta simbiosis; era uno de los mejores dúos de los sesenta.

En 1966 el tema River deep, mountain high, producido por Phil Spector, les proporcionó una amplia proyección internacional. Los siguientes sencillos se mantuvieron en la línea de la pareja y las giras se sucedieron sin apenas interrupciones. Sin embargo, en el plano personal, el dúo Turner no funcionaba tan bien, y terminaría separándose. Ike Turner fue detenido en varias ocasiones, acusado de posesión de estupefacientes, y los conciertos se resentían de su falta de concentración y su mal estado de forma. A mitad de los setenta, Tina tomó la decisión de separarse personal y profesionalmente del hasta entonces su marido y comenzar su propia carrera artística.

Todo parecía indicar que era Ike Turner quien se hallaba en mejor disposición de superar el bache profesional, pero los hechos se encargarían de desmentirlo. En 1975 Tina participó en Tommy, la película de los Who, y grabó el álbum Acid Queen, con poca fortuna comercial. La misma suerte corrió su siguiente trabajo, Rough (1979). Aparentemente condenada al circuito de oldies, su carrera empezó a revitalizarse cuando fue invitada en 1982 a poner su voz en una versión de Ball of confusion del grupo B.E.F., que también produciría una versión del tema Let´s stay together (1983), de Al Green.

Pero el suceso importante de 1982 fue el éxito del disco Let's dance: producido con el apoyo de David Bowie, supuso el regreso de Tina a la condición de superestrella. Su lugar en el primer plano de la música internacional quedó definitivamente consolidado con el triunfo arrollador de su álbum Private Dancer (1984), del que a principio de la década de los noventa se llevaban vendidos más de diez millones de copias. Su fama seguiría creciendo tras interpretar un papel en la película de Mad Max II. Su sencillo We don´t need another hero fue incluido en la banda sonora del filme.

Su siguiente éxito fue Break every rule (1986), un álbum en el que estaban presentes invitados de la talla de Phil Collins o Steve Winwood y al que siguió una gira de catorce meses alrededor del mundo. En 1988 vio la luz Live in Europe, con colaboradores también importantes como Eric Clapton, David Bowie, Bryan Adams y el bluesman Robert Cray. En 1989 volvió a arrasar en las listas de medio mundo con el elepé Foreign affair, que contenía sencillos como The best o I don´t wanna lose You, y entró en los noventa con nuevas ventas millonarias.

Simply the best - Compilation se publicó en 1991 y What´s love got to do with it en 1993; en ellos mantuvo la línea musical y la imagen que siempre la han caracterizado. Pese a los rumores sobre su posible retirada, las giras internacionales se sucedían, y en 1995 interpretó el tema central del filme Golden eye, una nueva entrega de la saga James Bond. A principios de abril de 1996 se editó el álbum Wildest dreams (grabado en el Reino Unido bajo la producción de Trevor Horn), anticipo de su tour británico.

Con más de sesenta años y aún en plena forma, Tina Turner anunció su retirada en el verano del año 2000 desde su residencia de Zurich (Suiza). Antes del adiós definitivo realizó una dilatada gira de despedida que recorrió los Estados Unidos y varios países europeos: un total de 95 actuaciones en las que la electrizante cantante de Tennesse demostró su inagotable capacidad para entusiasmar al público.

Stevie Wonder

(Steveland Judkins-Morris; Saginaw, 1950) Cantante y compositor estadounidense. Ciego de nacimiento, fue un pianista precoz, ya célebre a los diez años; editó su primer disco a los doce y en 1963 alcanzó el éxito con su segundo disco, Fingertips. Capaz de manejar perfectamente otros instrumentos además del piano, Stevie Wonder parecía destinado a desarrollar pronto una brillante carrera. Pero aunque sus inicios eran prometedores y recibió siempre buenas críticas, la década de 1960 no fue tan rutilante como se esperaba. Contratado quizá demasiado tempranamente (en 1961) por la discográfica Motown, su talento no eclosionó hasta que, a principios de los 70, rechazó los controles que el sello imponía a sus creaciones.

A partir de entonces y durante los veinte años siguientes sus trabajos fueron una fresca lista de éxitos de ventas que incluye temas archiconocidos: Superstition (1971), You are the sunshine of my life (1973), You haven't done nothing (1974), I wish (1976) o Sir Duke (1977) en los setenta, y That girl (1982), I just called to say I love you (1984) o Part-time lover (1985) en los ochenta. Realizó asimismo diversas bandas sonoras para películas, siendo sin duda la más conocida la de The woman in red (La mujer de rojo, 1984), a la que pertenece el tema I just called to say I love you.

En los años noventa editó los trabajos Conversation pearl (1995), Natural Wonder (1995), Greatest Hits. Vol. 1, recopilatorio de los singles editados entre 1963 y 1967, y Greatest Hits, Vol. 2, recopilatorio de sus singles desde 1968 (1998). En noviembre de 2005, después de diez años sin publicar un disco de estudio, vio la luz el álbum A time to love, formado por quince temas en los que proyecta sus experiencias de los últimos años. Los homenajes y galardones que ha recibido son incontables; en 2006 acumulaba la friolera de 22 premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su trayectoria, que recibió ya en 1996.

Artista comprometido, la faceta de Stevie Wonder como activista social y político es universalmente conocida, y muy en especial su militancia antirracista: cuestionó siempre el apartheid y apoyó al líder sudafricano Nelson Mandela, motivo por el que su música llegó a ser prohibida en Sudáfrica; y, promoviéndola mediante multitudinarios conciertos, hizo realidad la propuesta de instituir el día del nacimiento de Martin Luther King como fiesta nacional en los Estados Unidos.

Quincy Jones

(Quincy Delight Jones Jr.; Chicago, 1933) Músico, compositor, arreglista y productor discográfico estadounidense cuya obra musical destacó siempre por la perfecta mixtura de temas y ritmos. Como músico se dedicó al rhythm and blues, y en el resto de sus facetas ha tocado tantos estilos de música que sería largo enumerarlos: van desde el jazz al rap, pasando por todo lo imaginable.

Además de haber hecho de todo en el mundo de la música, lo ha hecho suficientemente bien como para acumular diversos Grammy en varias categorías. Quizás su secreto para hacer mucho, en todos los campos y bien, haya sido trabajar siempre con músicos de primer orden, como Dizzy Gillespie. La producción en 1985 de USA for Africa, que culminó con la canción We are the world (en cuya grabación participaron los más prestigiosos músicos pop del momento: Bruce Springsteen, Michael Jackson, Cindy Lauper, Stevie Wonder, Diana Ross y un largo etcétera) fue el proyecto monumental que consagró a Jones definitivamente como productor.

Este genio de la música moderna creció en Seattle y a los doce años, como muchos muchachos de color, entró en un grupo de Gospel. Un par de años más tarde conoció a un joven Ray Charles y tocó en varios clubes de jazz. Ya en Nueva York, trabajó como arreglista de reputados músicos como Dizzy Gillespie y acompañó en una gira de tres años a Lionel Hampton.

A finales de los cincuenta ejerció en París de director musical del importante sello discográfico de jazz Barclay. De regreso a Nueva York trabajó como jefe de A&R (departamento encargado de la búsqueda de artistas) de Mercury Records hasta el año 1968, y al año siguiente comenzó a grabar de nuevo. Una de sus últimas creaciones antes de ese paréntesis musical había sido Big Band Bossa Nova (1962), uno de sus mayores éxitos.

A lo largo de años sucesivos, su actividad sería determinante para las carreras de artistas como Aretha Franklin, Chaka Khan, George Benson o Michael Jackson. También se prodigó en la creación de bandas sonoras, de las que llegó a producir más de una treintena, con títulos tan destacados como In the heat of the night (1967) o The colour purple (1987); creó asimismo la música de numerosas series de televisión, como Raíces.

A principios de los ochenta fundó su propia discográfica, Qwest. En los últimos años su actividad se ha centrado en las tareas de dirección del sello discográfico y en las producciones para otros artistas, como el ya citado proyecto USA for Africa, que llevaría al número uno el tema We are the world. De su propia producción destacan Body heat (1974), Sounds - And stuff like that (1978), The dude (1981) y Live at Montreux (1993), grabado junto a Miles Davis. Para Back on the block (1989) contó con la colaboración de una interminable lista de artistas, como el reverendo Jesse Jackson, Ella Fitzgerald, Al Jarreau, Barry White, Miles Davis o Ice-T.